Добавлен: 28.03.2023
Просмотров: 224
Скачиваний: 3
Законы Шевреля, которыми был так увлечен Клод Моне, повлияли не только на колорит, но и на технику живописи. Моне избегал смешивать краску на палитре, предпочитая писать мазками чистого цвета по светлому грунту.
С момента заинтересованности до конца своего творческого пути Моне проявлял особую любовь к японскому искусству, в частности, в художник увлекался графическими работами Хокусая. Дом Моне украсил изнутри веерами, изготовленными в японском стиле, Моне так сильно увлекся японским искусством, что садовником для сада, где были созданы «Кувшинки», являлся японец.
Разумеется, тема Японии не может не отразиться на работах мастера. Картина, написанная в 1876 году «Камилла в японском кимоно», где изображается супруга художника, входит в число работ, отражающих заинтересованность Моне Японией. «В японских художниках мы на Западе оценили, прежде всего, ту смелость, с какой они режут рамкой свои сюжеты. Эти люди научили нас новой композиции. Тут нет сомнений[6]» - пишет Моне.
В дальнейшем заинтересованность Моне японским искусством будет преследовать его до конца жизни, начиная от его сада в доме, в котором он проживет до смерти, заканчивая поздними работами, в которых непосредственно отразится восхищение Моне японской графикой.
Работы, написанные в это время, сильно отличаются от более ранних работ. По сравнению с маринами, сделанными 10 лет назад под непосредственным влиянием метра Будена, теперь внимание Моне обращено к свету и цветовым вариациям окружающей среды, которую он делает живой и вибрирующей смелыми мазками особенно светлой и яркой краски.
В работе «Камилла в японском кимоно» (Рис.4) можно познакомиться с женой Моне Камиллой, которая специально позировала для него, не только для этой картины, но и для многих других работ художника, вдохновленного своей женой.
Рисунок 4 – Работа «Камилла в японском кимоно»
Стефан Малларме весьма точно высказался относительно картины Моне «Камилла в японском кимоно»: «Что касается отдельных деталей картины, ничего нельзя определить с точностью, потому что нужно чувствовать, что сияющий свет, озаряющий картину, и обволакивающая ее прозрачная тень схвачены в моменты их становления, точно в тот момент, когда зритель смотрит на изображение, и оно, составленное из гармонии отраженного и изменчивого света, не может быть всегда равным самому себе, но трепещет в движении, свете, жизни»[7].
В 1876-ых-1877-ых годах начинается новый важный этап в творчестве художника, проявляющийся в отказе концепции картины-этюда в пользу аналитического изучения изображаемых предметов[8].
ГЛАВА 2 ПОЗДНЕЕ ТВОРЧЕСТВО КЛОДА МОНЕ
Поздним творчеством Клода Моне принято считать периодом с 1890-ого года по 1926-ой. В этот период Моне начинает работать над сериями, где изображается один и тот же объект в разных ракурсах. Художник заметно начинает работать быстрее, его мазки становятся экспрессивнее, краски наносятся одним слоем, происходит полный отказ от перспективы в пользу восприятия и ощущения объема и глубины. Моне впервые начал работать над несколькими картинами одновременно при написании серии «Стога» зимой 1890-ого года.
Разумеется, что в течении стольких лет взгляды мастера, его манеры и техники подвергались неоднократным изменениям. Несмотря на то, что к концу своей жизни Моне был близок к абстракционизму, все же не перешел эту черту и остался верен импрессионизму. Самой яркой чертой, которой можно охарактеризовать творчество позднего периода Клода Моне, является серийность. Путем создания серий изображений одних и тех же объектов, Моне исследовал свойства свето-воздушной среды.
ГЛАВА 2.1 НАЧАЛО ПОЗДНЕГО ТВОРЧЕСТВА КЛОДА МОНЕ
Определенные перемены в жизни художника совпали с началом позднего периода творчества. Смерть Камиллы Моне – жены художника, переезд в Живерни, и долгожданное признания Моне публикой. Его работы «Стога» (Рис.5), которые он писал в 1892-1893 годах, стали продаваться по 3000-4000 франков за штуку[9]. Положительные отзывы стали поступать в адрес Моне от критиков, даже от тех, которые ранее двусмысленно отзывались о холстах художника.
После смерти своей жены работы Моне становятся более тусклыми и темными. Для самого художника наступил не лучший период жизни. Он невероятно любил и ценил свою жену, Камилла выступала в качестве его музы и часто позировала для его работ, так что после ее смерти Моне потерял не только жену, но и вдохновительницу.
Но, несмотря на все обстоятельства, хоть Моне и потерял любовь своей жизни, как художник он продолжал любить цвет. Именно его любовь к цвету, а также бесконечное усердие в сочетании с творческой энергией, давали такие большие плоды в его творческой деятельности.
Сам Моне считал, что для точной передачи цвета, к примеру, моря, необходимо долгое время изучать его, смотреть на него каждый день, при этом находясь в одном и том же месте. Именно так он объяснял его пристрастие к одним и тем же объектам в его работе. Именно так зарождались серии его работ: Моне изучал их с одного и того же места, ракурса, буквально каждый день в разные сезоны и время суток.
Рисунок 5 – «Стога»
Успех способствовал все большему погружению Моне в эксперименты над моментальным отображением состояния окружающей среды. К примеру, серии «Стога» имеют около тридцати вариантов этой темы (Рис.6).
Для того, чтобы сделать такую работу, необходимы впечатляющая усидчивость, сосредоточенность, внимательность, а также терпение и абсолютная тяга к передачи своих впечатлений. Всеми этими чертами Моне обладал сполна и именно это помогло ему стать одним из великих живописцев не только своей эпохи, но и в истории живописи в целом.
Перед началом написания серии «Стога» Моне поставил цель показать один и тот же объект, но при разном освещении и атмосфере. Он осознавал, что для осуществления этой идеи ему придется потратить весомое количество времени и провести его при не всегда благоприятных условиях: зачастую ему приходилось работать в непогоду, но Моне, верный своей идеей, не считал это препятствием, а, наоборот, с еще большей страстью работал в снежную или дождливую погоду, чтобы показать перемены в настроении работы, на которой изображен один и тот же объект.
Современные исследователи по сей день расходятся во мнении почему Моне выбрал именно стога сена. Кто-то считает, что Моне выбирал объекты для своих серий произвольно, не зацикливаясь на сюжете и работая лишь над цветопередачей, но существует мнение, что на самом деле Моне выбирал тему для своих работ тщательно, он досконально прорабатывал сюжет путем обдумывания и проведения анализа. Кроме этого, существует мнение, что Моне выбрал не просто стога, а стога ячменя или овса, а не стога сена, которые предназначались для животного корма. Данной теории придерживаются художники и писатели, и оно зачастую подвергается критики из-за неуместного романтизма.
Рисунок 6 – Серия картин «Стога», подборка различных картин одной серии, демонстрирующая особенность художника в написании одного объекта в различных цветовых решениях
А в 1892-1894 годах Моне начинает работу над серией изображений Руанского собора (Рис.7), впоследствии чего создано около пятидесяти изображений собора. Эта серия была тепло воспринята как зрителями, так и критиками. Стоит отметить, что в момент позднего творчества Клода Моне, критики стали благосклоннее относиться к мастеру.
Рисунок 7 – Несколько вариаций Руанского собора, изображенного кистью Клода Моне
Позднее творчество характеризует собой серии работ, написанных во время поездок в Норвегию, а также виды замерзающей Сены, работы, изображающие туманной Темзу[10]. Некоторые современники считали, что Моне пытается изобразить влагу, парящую в воздухе Лондона, что казалось невозможным и абсолютно необычным для художников того времени.
ГЛАВА 2.2 ЦИКЛ «КУВШИНКИ»
Цикл «Кувшинки» считается наиболее известным – это серия изображений «Кувшинки», которая известна также как «Нимфеи» или «Водяные лилии». Двадцать девять лет, ставшие последними годами жизни, Клод Моне посвятил этой серии, создав около 250 произведений, включая огромные полотна, длиной 8 метров. Кувшинки, которые писал художник, были выращены им на поверхности воды в небольшом пруду, который был расположен в саду в Живерни[11] (Рис.7).
Рисунок 7 – Сад Клода Моне в Живернии. Вид на пруды. Наше время.
Такая большая серия позволяет в полной мере проследить эволюцию позднего периода творчества Моне. Если в самом начале работы над серией имело место колоритное объемное изображение пруда с мостиком и близлежащими деревьями, то ближе к концу творческого пути изображения стали плоскостными и декоративными, которые писались полуослепшим художником уже по памяти.
Интересно то, что лучшим произведением импрессионизма в живописи считается работе Моне. И это несмотря на то, что к моменту начала работы над знаменитыми «Водяными лилиями», он уже терял зрение.
Картина «Пруд с водяными лилиями» или, как еще называют эту работу, «Пруд с кувшинками», написанная Клодом Моне в 1919-ом году, является самой дорогой картиной мастера. Клод Моне был хорошо обеспечен за счет своего творчества в поздний период, его картины хорошо продавались за приличные суммы, что подвергало сомнению в своем профессионализме других художников. Но в наше время стоимость вышеупомянутой картины превзошла все ожидания, уйдя с аукциона за баснословные деньги, а именно восемьдесят миллионов долларов.
Моне разрабатывал сад в Живерни с большой любовью, проводя огромное время над этой работой, и серия «Кувшинки» стоит считать, как естественное следствие этой работы. Цветоводство всегда влекло Моне, он разводил цветы. Сам Моне утверждал, что ничто не интересует его как живопись и цветы.
В Живерни, по приезду в Моне, существовал лишь небольшой огород, что было типично для французской деревни, и недовольный этим фактом Моне тут же принялся его переделывать. Жан Пьер Ошеде – приемный сын художника, говорил, что работа над садом для Моне являлась реализацией давней мечты. Моне уделял огромное внимание большому количеству прудов, в которых содержалась чистая, свежая вода.
Увлечение Моне японской культурой всецело отразилось на внешнем виде сада в Живерни. Возможно, что и серия картин «Кувшинки», как и сад Моне, были вдохновлены произведениями японских мастеров и графистов (Рис.8).
Рисунок 8 – Дом в Живернии, написанный Клодом Моне в японском стиле
С 1914 года Моне работает над проектом «Больших декораций», которые впоследствие он лично передает государству. Это группа огромных (около 8 метровых) произведений, размещенных в музее «Оранжери». Эти работы представляют собой завершающий этап творческой жизни художника.
Годы меняли способы передачи как композиции, так и цветов в работах Моне, и сам художник признавался в том, что краски перестали иметь для него прежнюю яркость. Все это объяснялось наступающей слепотой. Несмотря на состояние своего здоровья, художник продолжает работать. Именно в этот тяжелый для мастера время относительно невозможности видения мира таким, каким он привык воспринимать его всю жизнь, пишется огромное количество холстов, присоединившихся к серии «Кувшинки».
Цветовое решение работ Моне сильно менялось на протяжении разных этапов творческой жизни художника. В начале 1960-ых годов живопись Моне характеризовалась сочными темно-зелеными и охристыми тонами, в работах присутствовали вкрапления темно-коричневого и черного, что является отражением влияния барбизонской школы.
В годы спокойствия и финансового достатка, работы Моне обретают статус «Буржуазной» живописи, отличаясь светлыми тонами и богатым колоритом. В дальнейшем Моне использовал различные колористические решения. К примеру, для изображения Темзы, Моне часто применял серовато-голубоватые оттенки.
Рисуя на планэре, Моне испытывал необходимость в новой палитре. Так он стал применять кобальт, ультрафиолет, зеленый изумруд, желтые кадмий, цинк, синий ультрамарин. Разумеется, все это отразилась на картинах цикла «Кувшинки». Ф.Никозия отмечает, что применение масляных красок, которые стали доступны в 1960-ых годах, способствовало росту интереса к передаче многообразия сиюминутности изображения солнечного света. «Но Моне, хотя и использовал эти краски, считал их слишком жирными и перед нанесением разводил водой или выдавливал на промокательную бумагу, чтобы она впитала масло. Живописная техника Моне развивалась на другой степени насыщения красок, то есть на контрасте между мазком светлым и прозрачным и другим, матовым и пастозным»