ВУЗ: Не указан
Категория: Не указан
Дисциплина: Не указана
Добавлен: 27.09.2024
Просмотров: 98
Скачиваний: 0
«Фальстаф» Заканчивая «Отелло», престарелый Верди был убежден, что это его последняя опера. Но в 1890 году сотрудничавший с ним А. Бойто прислал либретто «Фальстафа». Верди давно мечтал написать оперу по шекспировской комедии, но неодолимые препятствия мешали реализации замысла. Возможно, прославленный композитор не мог забыть провала своей первой комической оперы «Король на час» (1840). И, создавая «Фальстафа», Верди настолько не был уверен в успешном результате, что предполагал показать новую оперу лишь в кругу друзей, на своей вилле Сант-Агата. Партитура сочинялась не спеша, с тщательным обдумыванием деталей, и была завершена летом 1892 года. Премьера состоялась 9 февраля 1893 года в миланском театре «Ла Скаля» и вылилась в грандиозное чествование восьмидесятилетнего композитора. Правительство решило присвоить Верди титул маркиза ди Буссето. Но маститый маэстро, оставшийся до конца жизни убежденным демократом, решительно воспротивился этому намерению.
Билет № 26 Оперы Верди 50-х годов - "Травиата" и "Риголетто"
За этот период жизни Верди написал 6 опер: «Риголетто» (1851) «Трубадур» (1853) «Травиата» (1853) «Сицилийская вечерня» (1855) «Симон Бокканегра» (1857) «Бал-маскарад»(1859) Верди писал, что оперное либретто не должно быть многословным, так как слова тонут в музыке, а их большое количество затягивает действие и создаёт длинноты. Главное в опере – это человеческие характеры, чувства и страсти, столкновения и конфликты, которые могут быть раскрыты музыкой. «Трубадур» (1853) Опера в четырёх действиях на либретто Сальваторе Каммарано. Премьера состоялась 19 января 1853 года в римском театре «Аполло». Наряду с «Травиатой» и «Риголетто» «Трубадур» считается одной из крупнейших работ Верди, созданных в 1850-е годы. В опере противопоставлены образы трубадура Манрико и цыганки Азучены образу представителя феодальной власти Графа ди Луна. Общий характер оперы порывисто–страстный, мятежный, драматически-напряженный. Однако художественной полноценности оперы вредит крайне запутанная либретто с нагромождением ужасов, с целым рядом эффектных, но мало правдоподобных ситуации. Основной конфликт оперы заключается во вражде 2-х братьев: трубадур Манрико возглавляет восстание против Графа ди Луна, не зная о своём кровном родстве с ним. Ди Луна приказывает казнить находящегося в заточении Манрико и лишь после его каятг узнаёт от полубезумной цыганки Азучены страшную тайну: он казнил своего родного брата. Среди всех опер Верди в «Трубадуре» особенно много мелодии, быстро приобретших широчайшую популярность, буквальна вся Италия пела мелодии от туда. «Сицилийская вечерня» (1855) Опера в пяти актах на франкоязычное либретто Шарля Дюверье и Эжена Скриба по их пьесе «Герцог д'Альб». Сюжет оперы базируется на действительно бывших исторических событиях - Сицилийском восстании 1282. Премьера состоялась в Гранд-Опера в Париже 13 июня 1855. Опера органический сочетает особенности итальянской оперной драматургии с некоторыми традициями французской «большой» оперы. (французская «большая» опера отличалось обилием эффектов, постановочной помпезностью, массовыми сценами, роскошным балетом. «Симон Бокканегра» (1857) Опера в трёх актах. Либретто было написано Франческо Мария Пьяве на основе одноименной пьесы Антонио Гарсия Гутьерреса. Первая постановка состоялась в театре Ла Фениче в Венеции 12 марта 1857. Вторая версия, созданная при участии Арриго Бойто, была представлена публике в миланском Ла Скала 24 марта 1881. Опера переходного значения, очень не ровная по художественным качествам. Есть сцены, в которых вдохновение изменило композитору: много однообразных речитативов. Вредит так же крайне запутанный сюжет (действие оперы разыгрывается в Генуэзской Республике в 15 веке; Симон Бокканегра – бывший пират и нынешний правитель республики). В начале 80-х годов Верди её переработал и сделал её во многом совершеннее. «Бал-маскарад»(1859) Опера на либретто Антонио Сомма в трёх актах. Первая постановка состоялась в римском Театро Аполло 17 февраля 1859. Сюжет оперы основан на истории об убийстве короля Швеции Густава III, но был сильно изменён по требованию цензуры. В настоящее время при многих постановках используются изначальные шведские имена. Если совсем короче – два друга Ричард и Ренато. Ричард влюбляется в жену Ренато в Амелию!!! И они становятся врагами… Ренато присоединяется к группе заговорщиков, которые во время бала-маскарада убивают Ричарда. «Риголетто» Опера в трёх актах Джузеппе Верди, написанная в 1850—1851 годах. Опера была задумана по мотивам пьесы Виктора Гюго «Король забавляется» (1832). Пьеса была запрещена цензурой как подрывающая авторитет королевского двора. Итальянское либретто было написано Франческо Мария Пьяве, сотрудничавшему с Джузеппе Верди много лет. По требованию цензуры, исторический король был заменён неким герцогом, а безобразный шут Трибуле — Риголетто. Поначалу шута предполагалось сделать традиционным оперным красавцем. Премьера оперы состоялась 11 марта 1851 года в Фениче, Венеция. Трагедия Риголетто, теряющего единственную дочь, составляет драматический стержень оперы. Источником его трагедии, как предчувствовал сам Риголетто, является грозное проклятие старого графа Монтероне. Поэтому основной и, пожалуй, единственный лейтмотив (можно сказать лейт-гармония) оперы – лейтмотив проклятья, которым начинается оркестровое вступление. ( [Вступление] - Andante sostenuto) Упорно повторяющийся один звук в пунктирном ритме создаёт впечатление чего-то рокового, неотвратимого, фатального. Страдание Риголетто выражены в характерных стонущих интонациях. (g-as as-g g-f f-es) Мрачная трагическая музыка сменяется танцевальной музыкой бала (Allegro con brio). Открывается занавес. Первая картина I дейст. – бал у герцога. Танцы. Герцог разговаривает со своим приближенным и в Балладе [№ 2], где он рассказывает, про свою мораль аристократа. Баллада имеет характер легкой изящной итал. канцоны. Менует [№ 3] – герцог объясняется в любви графине ди Черпано. Сцена [№ 5] – внезапно танцы прекращаются из за грозного голоса старца Монтероне, пришедшего с проклятьем за поруганную честь дочери. (опять лейтмотив проклятья). Риголетто шутовски насмехается над ним (в № 5 же [g| as* b| c*] «доверья наше вы…»). Старик проклинает Риголетто. Неумолимый рок висит над Риголеттом. Вторая картина Поздний вечер, темная улица. Риголетто идёт к дому, где жила его дочь Джилда. № 6 Дуэт Риголетто и Спарафучиле (бандит и наёмный убийца) Таинственная и мрачная сцена. Во второй картине центральными по значению являются две дуэтные сцены: Встреча отца и дочери: Дуэт Джильды и Риголетто [№ 7 середина “Allegro vivo”] где она просит его сказать кто её мать. Риголетто вспоминает о смерти супруги и называет дочь своей отрадой и своим уиешением. [там же, “Andante”]. Риголетто просит её быть осторожнее, и не выходить из дома. Даёт наставление беречь дочь служанке Джиованне. Джильды и Герцога [№ 8 Andantino] – любовный дуэт. Вначале Дж. пугается но вскоре поддаётся любовным речам Герцога и она отвечает ему тем же. Оставшись одна, девушка предается сладостным мечтам. А тем временем у дома Риголетто собираются придворные: они задумали похитить Джильду, считая ее любовницей шута [№ 10 “Allegro”]. Мучимый мрачными предчувствиями, Риголетто возвращается домой и в темноте сталкивается с ними. Чтобы рассеять подозрения шута, один из придворных рассказывает о готовящемся похищении графини Чепрано, которая живет рядом. Риголетто соглашается помочь придворным. Тогда ему надевают маску, повязав ее сверху платком. Издалека доносятся приглушенные крики Джильды. Риголетто срывает повязку и в ужасе убеждается, что его дочь похищена. Он восклицает: вот оно, проклятие старца!
2-ое действие Герцог огорчен: прекрасная незнакомка исчезла, все поиски оказались тщетными. Придворные, желая развеселить его, рассказывают о ночном приключении — любовница Риголетто теперь во дворце. Герцог радостно спешит в свои покои. Напевая трагическую мелодию, входит Риголетто [№ 12 Сцена и ария]; он повсюду ищет дочь, скрывая отчаяние под напускной беззаботностью. Узнав, что Джильда во дворце, он гневно требует, чтобы ему вернули дочь [там же, Andante mosso agitato] (одна из самых знаменитых мест), но придворные глухи к угрозам и мольбам шута (мольба там же «О, синьоры, сжальтесь…»). В это время Джильда в слезах выбегает из покоев герцога. Риголетто клянется отомстить за позор дочери; встреча с Монтероне, которого ведут в темницу, укрепляет его решимость. Джильда в страхе умоляет отца простить герцога. 3-е действие Притон Спарафучиле на берегу реки. Глухая ночь. Сюда приходит переодетый герцог — он увлечён новой страстью — к красавице Маддалене, сестре Спарафучиле. Риголетто специально приводит Джильду, чтобы наглядно продемонстрировать непостоянство герцога. ([№ 16] Квартет Дж. Герц. Риг. и Мадл.) (в этих сценах одна из самых знаменитых "мелодии" - Allegretto в [№ 17] "Сердце красавиц...") Джилда переодета в мужской костюм. Ей предстоит нынче покинуть Мантую — отец отсылает её в Верону. Сам же Риголетто задерживается — ему надо уладить дела со Спарафучиле, которому он заказал убийство герцога, и самому бросить в реку труп ненавистного врага. Начинается гроза. Маддалена, очарованная молодым красавцем, просит брата пощадить его и в крайнем случае убить самого Риголетто. Спарафучиле говорит, что он — вор и разбойник — держит слово и никогда не подводит клиентов. Наконец, после долгих уговоров он соглашается убить первого, кто постучится в дверь, если кого-то вдруг занесёт сюда в такую погоду. Джильда, чувствовавшая неладное, подслушивает разговор и решает пожертвовать собой, чтобы спасти герцога, которого по-прежнему любит. Она смело входит в дом бандита. Гроза стихает. Возвращается Риголетто. Спарафучиле выносит мешок с мёртвым телом и получает деньги. Шут торжествует — наконец он отмщён! Собираясь бросить труп в воду, Риголетто с ужасом слышит весёлую песенку герцога «Сердце красавиц склонно к измене». Он разрезает мешок и видит умирающую Джильду. В завершении он восклицает: вот оно, проклятие старца!
«Травиата» (итал. La traviata «падшая», «заблудшая», от гл. traviare — сбивать(ся) с пути) — опера Джузеппе Верди на либретто Франческо Мария Пьяве по мотивам романа «Дама с камелиями» А. Дюма-сына. «Травиата» была впервые представлена публике 6 марта 1853 года в оперном театре Ла Фениче в Венеции и сначала потерпела провал, однако, переработанная, стала одной из самых знаменитых опер за всю историю. Почти каждую арию можно назвать хитом. Постановки в Европе шли примерно в одно время с выходом «Дамы с камелиями» Дюма. Необычным для оперной постановки того времени являлся в первую очередь выбор главной героини — куртизанка, умирающая от неизлечимой болезни. Как и ранее в «Риголетто» и «Трубадуре» Верди поставил на центральную роль персонаж, отвергнутый обществом. Оригинальная партитура оперы делится на три акта, где действие первого проходит в салоне Виолетты, второго — в её загородном доме и во дворце Флоры Бервуа, третьего — в последней квартире Виолетты.[1] Большая длина второго акта привела к тому, что при постановке его естественным образом стали разбивать на два действия, и в наши дни «Травиата» обычно ставится как опера в четырёх действиях с тремя антрактами. «Травиата» — одна из первых в мировой оперной литературе лирико-психологических опер — интимная драма сильных и глубоких чувств. Современный сюжет, простота и обыденность интриги позволили Верди создать подлинно реалистическое произведение, поражающее своей правдивостью, трогающее человечностью. В опере богато использованы ритмы и мелодии бытовой музыки — главным образом вальса, то веселого и грациозного, то драматичного и скорбного. В первом акте два раздела: первый рисует беспечный мир, в котором живет Виолетта, второй содержит ее лирическую характеристику. Радостный хор гостей вводит в атмосферу шумного празднества. Приподнятое настроение сохраняется и в ликующей застольной песне Альфреда «Высоко поднимем мы кубки веселья», подхватываемой хором, и в стремительном вальсе за сценой. Центральный эпизод дуэта — нежное признание Альфреда «В тот день счастливый», выразительная мелодия которого повторяется в опере неоднократно, приобретая значение темы любви. Дуэт заключается беззаботным хором гостей. В большой арии Виолетты напевная, задумчивая мелодия в духе медленного вальса «Не ты ли мне в тиши ночной» передает мечты о счастье, ей противостоит блестящая, расцвеченная колоратурами вторая часть арии «Быть свободной, быть беспечной», в которую вплетается музыкальная тема любви (ее повторяет за сценой Альфред). Ария Альфреда «Мир и покой в душе моей» окрашена в светлые, спокойные тона. Противоречивые настроения воплощены в развернутом дуэте Виолетты и Жермона — столкновении двух сильных характеров. В арии Жермона «Ты забыл край милый свой» благородная напевная мелодия очерчивает облик любящего и преданного отца. Третий акт - драматизм переживаний Виолетты. Маскарадные хоры цыганок и испанских матадоров оттеняют следующую за ними сцену карточной игры; на фоне мрачного звучания кларнетов выделяются скорбные, патетические фразы Виолетты. Возбужденное объяснение Виолетты с Альфредом вырастает в развернутую массовую сцену — кульминацию драмы; акт завершается драматичным октетом с хором. Четвертый акт резко контрастирует с предшествующим. Он открывается небольшим оркестровым вступлением, построенным на уже знакомой по увертюре музыкальном теме умирающей Виолетты. Отголоски этой печальной мелодии сопровождают разговор Виолетты со служанкой; светлым воспоминанием звучит у скрипок тема любви. Центральный эпизод акта — ария Виолетты «Простите вы навеки, о счастье мечтанья» — пронизан щемящей грустью расставания с жизнью. Одиночество Виолетты подчеркивается неожиданно врывающимся шумным карнавальным хором. Дуэт Виолетты и Альфреда передает взволнованные, трепетные чувства влюбленных: светлая, мечтательная мелодия «Край мы покинем, где так страдали» сменяется музыкой бурного отчаяния «Как страшно, горько смерти ждать». В центре финала — большой квинтет. Обращение Виолетты к Альфреду «Этот портрет, любимый мой» овеяно дыханием смерти — в оркестре звучат траурные аккорды; в последний раз у скрипок просветленно звучит мелодия любви.
Билет № 27 "Отелло" Верди как музыкальная драма
Идея создания оперы на шекспировский сюжет возникла летом 1897 года, когда Верди с супругой гостил у Дж. Рикорди, старого друга. Во время беседы речь зашла о трудностях создания оперы на сюжеты Шекспира из-за сложности создания равноценного литературному первоисточнику либретто. На другой день Верди познакомился с Арриго Бойто. Их первый разговор коснулся «Отелло» и через 3 дня Бойто принес готовый сценарий. Работа над либретто была очень серьезной и детализированной, так Верди, ведя переписку с неапольским художником Д. Морелли, предложил ему сделать эскизы к будущей опере. Композитор дает Бойто множество ценных советов, обусловивших совершенство оперы. В целях сжатия текста пришлось полностью сократить 1 акт трагедии, также исчезли такие персонажи как Брабанцио, Шут, Горацио, Бьянка. Большую стремительность приобрела линия действий Яго. Исчезла также сцена ночной схватки. Бойто создает обширные лирические эпизоды (конец первого действия). Тем самым драматургическая идея 1 акта от хаоса к свету приобрела большую целостность и яркость. Во 2 акте либретто особое внимание привлекают два эпизода, которых нет у Шекспира: «Кредо» Яго и хор славления Дездемоны – прекрасный ее портрет. В «Кредо» Бойто удалось найти «мефистофелевские» тона в речи Яго: прерывистые фразы, ассиметричная жесткая речь. Бойто объединяет две сцены: просьбу Дездемоны помиловать Кассио и эпизод с платком. В третьем действии Верди по-новому смонтировал эпизоды, которые у Бойто шли в шекспировском порядке, объединил несколько сцен: прием венецианских послов, оскорбление Дездемоны, новый заговор Яго, его сцена с Родериго и Отелло. Концентрация действия придает ансамблю трагедийный накал. Большим изменениям подвергся и финал трагедии. Здесь сцена Эмилии и Дездемоны из 4 действия пьесы, песня об иве в сочестании с диалогом Дездемоны и Эмилии приобрела особую драматическую остроту. Развязка ускорена. Верди отказался от большого монолога Отелло над телом Дездемоны и максимально сжат эпизод разоблачения Яго. Музыка «Отелло» написана в основном в 1884-85х годах. Инструментовка заняла октябрь 1886, и 1 ноября 1886 года Верди закончил работу над оперой. К постановке готовились очень тщательно. Художник Феррарио оформлял сцену, Альфредо Эдель изучал в библиотеке Венеции костюмы эпохи. Премьера состоялась 5 февраля 1887 года и имела оглушительный успех. «Отелло» — музыкальная трагедия, поражающая правдивостью и глубиной воплощения человеческих характеров. Необычайной рельефностью и драматической силой отмечены музыкальные портреты Отелло — героя и воина, страстного любящего супруга, человека доверчивого и одновременно неистового в своей ярости, кроткой и чистой Дездемоны, коварного Яго, попирающего все нравственные законы. Хоровые эпизоды дополняют образы главных персонажей, выражая отношение к ним народа. Важную роль в опере играет оркестр, передающий эмоциональную, атмосферу событий, исключительное богатство психологических оттенков. Первый акт открывается грандиозной вокально-симфонической картиной бури, которая сразу же вводит в гущу напряженной борьбы, острых столкновений. Вершина этой динамичной сцены — появление Отелло, сопровождаемое радостным хором. В сцене пирушки причудливый хор «Радости пламя» мелодией и живописным оркестровым сопровождением словно рисует разгорающиеся огни праздничных костров. Застольная песня Яго пронизана едким сарказмом. Дуэт Отелло и Дездемоны «Темная ночь настала», предваряемый проникновенным звучанием солирующих виолончелей, изобилует напевными мелодиями. В заключении дуэта в оркестре появляется страстная, экстатическая мелодия любви. Во втором акте центральное место занимают характеристики Яго и Отелло. Образ Яго — сильного, не знающего колебаний, но душевно опустошенного человека — запечатлен в большом монологе «Верю в творца жестокого»; в твердых, решительных музыкальных фразах звучит скрытая издевка, усиливаемая оркестровым сопровождением (в заключение слышится взрыв язвительного хохота). Выразительный контраст создает кипрский хор «Ты посмотришь — все заблестит», подчеркивающий чистоту и непорочность Дездемоны; просветленный характер музыки создается звучанием детских голосов, прозрачным аккомпанементом мандолин и гитар. В квартете (Дездемона, Эмилия, Отелло и Яго) широкие, полные спокойного благородства мелодии Дездемоны противостоят взволнованным, горестным фразам Отелло. Ариозо Отелло «С вами прощаюсь навек, воспоминанья», сопровождаемое воинственными фанфарами, близко героическому маршу; это краткий музыкальный портрет мужественного полководца. Контрастом ему служит рассказ Яго о Кассио «То было ночью»; его вкрадчивая, завораживающая мелодия, покачивающийся рисунок сопровождения напоминают колыбельную. Дуэт Отелло и Яго (клятва мести) по характеру музыки перекликается с ариозо Отелло. Третий акт строится на резком противопоставлении торжественности массовых сцен, в которых народ приветствует Отелло, и его глубокого душевного смятения. Дуэт Отелло и Дездемоны открывается нежной мелодией «Здравствуй, супруг мой милый». Постепенно фразы Отелло становятся все более тревожными и взволнованными; в конце дуэта начальная лирическая мелодия звучит иронически и обрывается гневным возгласом. Разорванные, мрачные, словно застывшие фразы монолога Отелло «Боже, ты мог дать мне позор» выражают подавленность и оцепенение: певучая мелодия второй части монолога пронизана сдержанной скорбью. Замечательный септет с хором — вершина драмы: ведущая роль принадлежит здесь Дездемоне, ее проникновенные мелодии полны горестных предчувствий. В четвертом акте первенствует образ Дездемоны. Скорбное оркестровое вступление с солирующим английским рожком создает трагическую атмосферу обреченности, предрекая близкую развязку. Это настроение усиливается в простой, народной по характеру песне Дездемоны с повторяющимися тоскливыми восклицаниями «Ива! Ива! Ива!». Широким диапазоном чувств отличается краткое оркестровое интермеццо (появление Отелло), завершаемое страстной мелодией любви. Диалог Отелло и Дездемоны, построенный на кратких, нервных репликах, сопровождается тревожной пульсацией оркестра. Последняя характеристика Отелло — небольшой монолог «Я не страшен, хоть и вооруженный»; короткие фразы передают лихорадочную смену мыслей. В конце оперы, оттеняя драматизм развязки, в оркестре вновь проходит мелодия любви. Краткое содержание: Музыкальная драма в четырёх актах; либретто А. Бойто по одноимённой трагедии Шекспира. Первая постановка: Милан, театр "Ла Скала", 5 февраля 1887 года. Действующие лица: Отелло (тенор), Яго (баритон), Кассио (тенор), Родериго (тенор), Лодовико (бас), Монтано (бас), Дездемона (сопрано), Эмилия (меццо-сопрано), герольд (бас); солдаты и моряки Венецианской республики, жители Кипра, греческие воины, далматы, албанцы, хозяин таверны, четверо слуг в таверне, гребец. Действие происходит в конце XV века в приморском городе на острове Кипре, подчинённом Венеции. Действие первое. Замок на берегу моря. Вечер. На море шторм, корабль Отелло, назначенного губернатором острова, приближается к берегу, где собралась толпа встречающих, среди которых: венецианский дворянин Родериго, влюблённый в Дездемону, недавно ставшую женой Отелло, Яго, враждебно настроенный по отношению к новому губернатору, так как он обошёл его званием, Монтано, бывший наместник острова. Буря утехает, словно услышав мольбы народа ("Dio, fulgor della bufera!"; "Грозный лев святого Марка!"). Корабль причаливает. Вот и Отелло: тёмный цвет кожи мавра не помешал ему стать генералом венецианского флота. Теперь он радуется победе над мусульманами ("Esultate!"; "Честь и слава!"). Народ начинает веселиться на берегу ("Fuoco di gioia"; "Пламя пылает"). Яго решает напоить Кассио ("Innafia l'ugola"; "Наполнен кубок мой"), ставшего капитаном в обход Яго. С подвыпившим капитаном, который должен идти в ночной дозор, затевает ссору Родериго. Монтано пытается разнять их, но Кассио ранит его. Отелло вынужден вмешаться, он лишает Кассио звания, велит Яго навести порядок и всем расходиться по домам: он сам будет охранять покой острова. Дездемона присоединяется к мужу; в нежной беседе они вспоминают прошлое, наслаждаются счастьем быть вместе ("Gia nella notte densa"; "Кончился день тревожный"). Действие второе. Яго, сделав вид, что хочет помочь Кассио, советует ему попросить посредничества Дездемоны. Она как раз вышла на прогулку вместе со служанкой Эмилией, женой Яго. Кассио подходит к Дездемоне, а Яго, между тем, выражает своё презрение к жизни, подвластной одному злу ("Credo in un Dio crudel"; "Быть лишь орудьем чьей-то воли"). Затем он намекает Отелло на двусмысленный характер беседы его жены и Кассио. Мавр, в сердце которого разгорается ревность, требует у Яго доказательств измены Дездемоны, которую в это время славят жители острова ("Dove guardi splendono raggi"; "Взор твой ярче звёздных лучей"). Когда она обращается к мужу, заступаясь за бывшего капитана, тот превратно истолковывает её внимание к Кассио. Дездемона роняет платок, и Яго быстро выхватывает его из рук Эмилии. Мавр чувствует, что его героическое прошлое растоптано изменой жены ("Ora e per sempre addio"; "О, счастье жизни былой"). Яго утверждает, что слышал, как Кассио во сне произносил имя Дездемоны ("Era la notte"; "Помню, в походе"), и видел у него в руках её платок, свадебный подарок Отелло. Мавр торжественно клянётся отомстить, к его клятве присоединяется Яго ("Si pel ciel marmoreo giuro!"; "Я клянусь небесным сводом"). Действие третье. Дездемона вновь просит за Кассио. Отелло в ярости: где платок, его подарок? Он обвиняет жену в неверности и прогоняет (дуэт "Dio! ti giocondi, o sposo"; "О, дорогой Отелло"). Отелло, горя жаждой мщения и терзаемый мыслью, что потерял свою любовь ("Dio! mi potevi scagliar tutti i mali"; "Бог! Ты мог дать мне позор"), подслушивает двусмысленный и развязный, специально устроенный Яго, разговор его с Кассио, во время которого Кассио показывает другу платок Дездемоны, найденный им у себя в комнате. Отелло клянётся убить её своими руками (дуэт-терцет "Vieni; l'aula e deserta"; "Можешь войти свободно"). Яго нашёптывает ему: "Своей рукой убейте, там, в вашей спальне". А с Кассио он расправится сам. Прибывает делегация из Венеции: Отелло временно призывают на родину, вместо него назначен Кассио. Мавр даёт волю своему гневу, оскорбляет Дездемону, заставляет её встать на колени, плакать посреди всеобщего смятения (септет "A terra!.. si"; "На землю... Да... покрыта позором..!"). Оставшись один, он лишается чувств. Действие четвёртое. Дездемона в своей комнате, готовясь ко сну, охвачена мрачными предчувствиями. Она поёт старую грустную песню ("Mia madre aveva una povera ancella"; "Когда-то девушку мать приютила"), молится ("Ave Maria"; "Дева святая"). Отелло входит через потайную дверь. Поцелуем он будит уснувшую жену и требует покаяться в грехах. Молодая женщина в ужасе, Отелло душит её. Вбегает Эмилия: Кассио только что убил Родериго, напавшего на него по наущению Яго. Отелло признаётся в убийстве жены. Эмилия зовёт на помощь, сбегаются люди. При всех она разоблачает Яго. Отелло закалывается, в последний раз поцеловав Дездемону ("Niun mi tema"; "О, не бойтесь, не страшна эта шпага"). Мелодику позднего Верди невозможно отделить от достижений современной ему немецкой и французской композиторских школ, тех новых жанровых обобщений, которые приобрели права гражданства не только в итальянской музыке. Так, например, один из сквозных жанров музыкальной характеристики Яго – гротескная скерцозность генетически связана с развитием немецкого романтического симфонизма (этот жанр довольно часто встречается в сочинениях Листа в связи с фаустианской темой его творчества). Синтез жанров предопределяет новизну мелодических обобщений в «Отелло». В «Отелло» вовсе не утрачена связь с бытовой мелодикой, жанрами и формами, несмотря на совершенно новую их трактовку. И «Застольная» Яго (первое действие), и «Хор приветствия Дездемоны» (второе действие), и «Песня об иве» (четвертое действие), и словно возникающие из недр бытовой музыки эпизоды приветствия Отелло народом (третье действие) указывают на прочность этих связей. Верди использует и типично романтические мелодические формы. Так, хоровая реплика из сцены бури «Горе тем, кто в эту бурю будет с морем в бой вступать» напоминает образы фатальной обреченности в произведениях Листа, Чайковского, Шопена. Неестественно было бы рассматривать интонационный строй «Отелло» в отрыве от предыдущих произведений композитора. Мелодическое мышление Верди эволюционировало, но не сложно заметить пристрастие к типизировавшимся в его творчестве интонационным оборотам. «Отелло» тесно связан с «Аидой», «Реквиемом», «Доном Карлосом», с более ранними операми 50х годов. Связь проявляется не только в интонационной близости, но и в характере эмоционального содержания, сближающего Отелло с Радамесос, Манрикио, Карлосом; Дездемону с другими женскими образами; Яго с секретарем Вурмом («Луиза Миллер»). Вообще же, несмотря на концентрированность действия, в «Отелло» ощущается большая сценическая перспектива. Все первое действие прослаивается хоровыми эпизодами. В трагическом финале третьего действия хоровые эпизоды обобщают две конфликтные линии произведения: героико-мужественную (приветствия в честь Отелло) и трагическую (хоровая партия в грандиозном ансамбле всех участников оперы). Особую роль в драматургии играют ансамбли. Большинство даже законченных сольных номеров возникает как органическая часть более объемных диалогических сцен или законченных ансамблей. Все ансамбли отмечены театральной быстротой развития сюжета. Очень незначительна роль оттеняющих моментов. По существу такой момент только один – хор приветствия Дездемоны во втором действии. Большая роль оркестровых средств выражения, симфонических принципов мышления предопределяет новизну ряда вокальных форм, нешаблонность их структуры, многие особенности драматургии «Отелло». Хотя оркестровые интерлюдии, заключения и вступления не очень пространны, они отнюдь не воспринимаются как периферийные моменты произведения. Особенно большую роль играет оркестр в эпизоде бури. Прелюдии к третьему и четвертому действию воспринимаются как своеобразные эпиграфы к драматическим событиям. Лейтмотив любви – прежде всего оркестровая тема. Оркестр более красочен, психологичен, чем в ранних операх. Композитор редко обращается к звучанию tutti и тем не менее кульминации кажутся яркими. Для передачи любовного порыва Отелло он часто использует мягкий тембр виолончелей. Один из специфических симф. Приемов – интонационная подготовка наиболее важного музыкального образа в предыдущем эпизоде. Это придает устремленность драматическому развитию. В «Отелло» нет сколько-нибудь последовательно использованных лейтмотивов. Даже лейтмотив любви звучит всего лишь трижды. Но в пределах сцены композитор часто прибегает к остинатному принципу, чем Верди предвосхищает некоторые особенности оперной драматургии XX века (Барток, Шостакович, Прокофьев). Прием остинато использован в «Клятве». Определенные образно-тематические остинато ощущаются в других эпизодах, привносящих в их структуру особенности рондо. Свободно трактован принцип рондо в «Кредо», где роль рефрена играет грозная тема унисона медных. Более отчетливо принцип рондо ощущается в «песне об иве». Творческое развитие принципов романтической драмы сыграло большую роль в освобождении искусства Верди от рутинных форм итальянской оперы. Его произведения, созданные на рубеже 40-50х годов, в особенности после «Макбета», привлекательны подлинной театральностью. Стремление к динамизму в операх Верди проявляется в ряде факторов: преодолевается статика дробления актов на замкнутые и мало связанные номера, усиливается контрастность, стираются грани между сугубо речитативными и сугубо ариозными эпизодами, что объединяет их в более крупные драматургические формы-сцены. Музыка «Отелло» чтоль же человечна и прекрасна, как и идеалы бессмертного английского драматурга. Для тех, кому понятен экспрессивный язык музыки, шекспировская трагедия в опере Верди раскрывает все свои богатства, тайники душ своих героев. Тайники, куда порой бессильно проникнуть слово и где зарождается подлинно прекрасная музыка.