Файл: Характеристика основных направлений музыкального искусства рубежа XIX - XX века.pdf

Большая заслуга в поднятии жанра хора a cappella до уровня самостоятельного, стилистически обособленного вида музыкального творчества принадлежит Сергею Танееву (1856-1915). Его сочинения явились высшим достижением в русском дореволюционном хоровом искусстве и оказали огромное влияние на плеяду московских «композиторов-хоровиков», представлявших новое направление.

Почти все московские «композиторы-хоровики» находились под воздействием его творческих установок, принципов и взглядов, отражённых как в творчестве, так и в педагогических требованиях. Павел Чесноков был его учеником, а Виктор Калинников, в период своей педагогической деятельности в Московском синодальном училище, принимал участие в работе хора над произведениями Сергея Танеева, а также пользовался его консультациями.

Сергей Танеев писал хоровую музыку исключительно светского содержания. При этом его произведения охватывают многие жизненные темы: от передачи размышлений о смысле жизни через образы природы до раскрытия глубоких философских и этических проблем. Выбирая стихотворения для своих произведений Сергей Танеев отдавал предпочтение творчеству Фёдора Тютчева и Якова Полонского. Привлекали его также стихотворения Константина Бальмонта.

Пейзажная лирика - это жанр, имеющий многовековую историю формирования и развития и нашедший яркое воплощение в таких видах искусства, как изобразительное искусство, литература и музыка. Пейзаж, сформировавшийся как жанр изобразительного искусства в XVII веке и лирика, существовавшая издревле в форме народных песен, псалмов, гимнов, стихотворений и поэм в литературе и музыке соединились в полноценный жанр пейзажной лирики в эпоху сентиментализма в Европе XVIII века. В XIX веке эпоха романтизма, как наиболее близкая по образной сфере и настроению пейзажной лирике, повлекла за собой многочисленные сочинения композиторов в этом жанре. С XIX века по наше время композиторы с перерывами, с большим или меньшим рвением обращаются к жанру пейзажной лирики, которая находит в их творчестве развитие и самое разнообразное претворение.

Рубеж XIX-XX веков - важный период в развитии музыкального искусства России. «Кучкисты» и «Беляевцы» заложили богатую и плодотворную базу для дальнейшего развития русского музыкального искусства в целом и хоровой музыки в частности. Их педагогическая и творческая работа позволила творчески вырасти и развиться большому количеству композиторов, вложивших огромный вклад в становление и развитие хоровых жанров. Сергей Танеев, Виктор Калинников и Павел Чесноков явились яркими представителями русской хоровой музыки рубежа XIX-XX веков, сумевшими не только не растерять достигнутых ранее свершений, но привнести каждый что-то новое, своё.

Основные черты музыкального импрессионизма

Становление и расцвет импрессионизма в живописи наблюдается в середине 60-х годов XIX века. Зарождение импрессионизма в музыке, родоначальником которого и ярчайшим представителем был Клод Дебюсси, относится к середине 90-х годов XIX века. Истоки музыки импрессионизма лежат в позднем романтизме XIX в., в произведениях Ф. Листа, Э. Грига и др. композиторов. Музыка импрессионистов такая же поэтична, но более выразительна. Основные представители этого музыкального стиля: Эрик Сати, Клод Дебюсси, Морис Равель.

Основные черты музыки импрессионизма

Это яркая и восторженная, избегающая острых социальных проблем музыка. С живописным импрессионизмом ее роднит восторженное отношение к жизни.
Преобладание красочно-жанровое или пейзажное начало
Изменилась трактовка музыкальных жанров. В области симфонической и фортепианной музыки создавались главным образом программные миниатюры, сюитные циклы (возвращение к рококо).
Обращение к франц. фольклору, музыке Востока, элементам сказочности и фантастичности.
Стремление передать настроение композитора и эмоции, которые являются для него самого и слушателей определенными символами.
Если сравнивать с импрессионистической живописью, которая стремилась отобразить впечатление, то музыка в стиле импрессионизма стремилась вызвать впечатление у слушателей с помощью приобретающих значение символов, тонких психологических нюансов.

Инструментовка импрессионистов характеризуется уменьшением размеров классического оркестра, прозрачностью и тембровым контрастом, разделением групп инструментов, тонкой детальной проработкой фактуры и активным использованием чистых тембров как солирующих инструментов, так и целых однородных групп. В камерной музыке любимое тембровое сочетание Сати и Дебюсси, почти символическое для импрессионизма - это арфа и флейта.

Творчество Клода Дебюсси

По силе таланта и значению в истории музыкального искусства немногие французские композиторы могут сравниться с Клодом Дебюсси (1862-1918). Современная музыка обязана ему многими своими открытиями, особенно в сфере гармонии и оркестровки. Период, когда композитор работал наиболее интенсивно, принимая непосредственное участие в идейно-художественном движении своего времени, – последнее 15-летие XIX-первые годы ХХ века. Это время имело переломное значение для судеб европейской культуры и искусства. Именно тогда на художественную арену все более уверенно приходят новейшие творческие течения. Как художник необычайно чуткий и восприимчивый, Дебюсси жадно впитывал все новое, что рождалось в современном ему искусстве. Творчество его многолико. С одной стороны, в нем ощутима прочная опора на национальные традиции французского искусства, с другой – сильнейшее увлечение культурой Испании и творческими открытиями «Могучей кучки», в особенности Мусоргского, у которого Дебюсси ценил великолепную декламацию. Его интересы достигали дальних стран, охватывая музыку Явы и Дальнего Востока.

В жизненном и творческом пути композитора четко выделяются 3 основных периода. Поворотными вехами являются 1892 год – год создания «Послеполудня фавна» и знакомства с драмой Метерлинка «Пеллеас и Мелизанда», и 1903 год – год постановки «Пеллеаса».

1 период.

В 1 период Дебюсси, испытав множество различных влияний – от Гуно и Массне до Вагнера, Листа и Мусоргского, погружен в поиски собственной манеры выражения. Отличительной чертой его исканий является широкий диапазон жанров. Композитор пробует свои силы и в романсовой лирике («Забытые ариетты» по Верлену, «Пять стихотворений Бодлера»), и в вокально-симфонической области (кантаты «Блудный сын», «Весна», «Дева-избранница»), и в фортепианной сфере («Маленькая сюита», «Бергамасская сюита»).

К началу 90-х годов все яснее вырисовывается собственная концепция Дебюсси-композитора, во многом близкая эстетике французских символистов. Он мечтает о создании оперы нового типа, в которой было бы много недосказанности, таинственности, «подтекста». Все это композитор нашел у Мориса Метерлинка.

2 период.

Десятилетие 1892-1902 годов – 2 период творчества – ознаменовано, в первую очередь, работой над оперой «Пеллеас и Мелизанда». Именно в это время Дебюсси достигает полного расцвета творческих сил. Были созданы такие его шедевры, как «Послеполудень фавна» (оцененный современниками, как манифест музыкального импрессионизма), «Ноктюрны», три «Песни Билитис» на стихи Луиса.

3 период.

3 период, открывшийся симфоническими эскизами «Море», характеризуется некоторыми отклонениями от избранного ранее пути в сторону неоклассических исканий. Большая часть сочинений, созданных после «Пеллеаса», обнаруживает стремление уйти от чрезмерной утонченности к искусству более сильному и мужественному, к большей материальности, ритмической четкости. Это оркестровая трилогия «Образы», фортепианный цикл «Детский уголок» и две тетради прелюдий, балеты «Игры», «Кама» и «Ящик с игрушками».

Итог творческой деятельности Дебюсси в количественном отношении сравнительно невелик: одна опера, три одноактных балета, ряд симфонических партитур, несколько произведений для сольных инструментов с оркестром, 4 камерных произведения (струнный квартет и три сонаты), музыка к мистерии. Наибольшее место занимают фортепианные и вокальные миниатюры (более 80 пьес для рояля и примерно столько же песен и романсов). Но при относительно скромном количественном итоге, творчество Дебюсси поражает обилием новаторских открытий в самых разных областях – гармонии и оркестровке, оперной драматургии, в трактовке фортепиано, в использовании вокально-речевых средств.

"Болеро" Мориса Равеля и творческий облик композитора

Классическая симфоническая музыка XX века отличается яркостью, красочностью и богатством тембров. Не исключением является и «Болеро» Мориса Равеля. Эта музыка покорила мировые сцены, она известна и популярна.

История создания

Соединенные Штаты Америки. Морис Равель находится в гастрольной поездке. Незадолго до отъезда композитор встречался с известнейшей солисткой в русском балете. Ее имя Ида Рубинштейн. Нельзя сказать, что техника вышеупомянутой балерины была лучше Анны Павловы или Натальи Трухановой, но ее артистические способности сводили с ума многих. Встреча была более чем деловой. Ида попросила Равеля написать танцевальное произведение, желательно балет, в котором она могла бы солировать. По задумке Иды произведение должно было максимально отражать ее индивидуальные танцевальные способности.

Гастроли успешно завершились, и Морис Равель мог наконец-то приняться за работу. По воспоминаниям композитора, произведение писалось легко и просто, поэтому он достаточно быстро завершил партитуру. Далее начались постоянные репетиции. Дирижером был назначен давний друг композитора, перед мастерством которого Равель приклонялся, а именно маэстро Тосканини. Тем не менее, между ними произошла небольшая ссора, касающаяся темпа. Так как Равель, очень уважал мнение дирижера, он позволил ему играть не в авторском темпе.

Первая постановка состоялась в Гранд-Опера и имела огромнейший успех среди публики. Кажется, Равелю удалось найти ключ к сердцу общества того времени. Музыка была понятна каждому слушателю вне зависимости от возраста или статуса. Возможно, это и сыграло собственную роль в возникновении популярности.

Факты

Сам композитор не рассчитывал на успех произведения, он считал композицию достаточно монотонной, так как единственным разнообразием в музыке являлось крещендо всего оркестра. Более того с этим мнением были согласны все близкие и друзья композитора.

Болеро Равеля имеет наибольшую популярность в Японии. Так оно было использовано в культовом фильме аниме «Приключения Дигимонов», а также в знаменитой игре «Цветок, солнце и дождь», созданной Гоичи Суды.

Жанровая основа является народно-бытовой. Она является синтезом двух распространенных в Испании танцев: болеро и сортсико.

Произведение не раз выбиралось для создания номеров на спортивных олимпиадах, в дисциплине «Фигурное катание». На Олимпиаде в Югославии, оно помогло британской паре фигуристов Джейн Торвилл и Кристоферу Дину получить долгожданную золотую медаль.

-В среднем ритм повторяется примерно 170 раз!

-В России произведение почетно является самым исполняемым на сегодняшний день.

-Построение оригинально по собственной сути, так как представляет собой цепочку строгих вариаций, в которых сохраняется не только мелодия, но и ритм. Причем, ритмическая фигура на протяжении всего исполнения четко изображается малым барабаном без изменений. Единственное, что делает музыку интересной, это гениальнейшая оркестровка.

-За все время исполнения, а именно от 15 до 18 минут в зависимости от темпа, музыкант, играющий на малом барабане должен сделать около 4 тысяч ударов. Именно из-за однообразия и монотонности барабанной партии, выдержанной в строгом ostinato, партия считается одной из сложнейших.

-Равель не любил говорить об этом произведении, поэтому на вопрос о создании, всегда скромно отвечал, что гениальной здесь является только идея, а с самой работой справился бы даже студент, учащийся на отделении «Композиции».

-Композиция скрасила финальную часть фильма «Оркестр». Идея использовать музыку пришла в голову режиссеру Рыбчинскому.

-Не смотря на то, что «Болеро» Равеля – это балет, наиболее часто оно включается не для театральных постановок, а именно для концертного репертуара.

-Нередко произведение исполнялось без участия оркестра, послушать одно из таких исполнений можно в фильме «Дорога в рай», там она воспроизводиться по средствам женского хора.

-Когда композитору говорили, что Болеро является шедевром, он с усмешкой отвечал, что эта музыка пуста.

-Первоначально дирижеры боялись дирижировать данное произведение, из-за желания композитора четко и строго соблюдать темповые указания. Они были необходимы для подчеркивания автоматизма в музыке.

-В экранизации известнейшего романа Булгакова «Мастер и Маргарита» в сцене «Бал Воланда» используется именно данная композиция. Примечательно, что эту идею предложил гений композиции Альфред Шнитке.