Файл: Цветопередача и сущность картины Альбер Марке «Ярмарка в Гавре».pdf
Добавлен: 28.03.2023
Просмотров: 56
Скачиваний: 2
ВВЕДЕНИЕ
Искусство – это одна из самых важных ценностей в нашей жизни на данный момент , по мимо того что это эстетично это ещё и хорошее развитие для тех людей которые хотят развиваться и развиваются в этой сфере. Это очень востребовано в нашей жизни сейчас , не смотря на то что это все появилось достаточно давно. Существует очень много выставок и много чего ещё на данный момент.
Специфика занятия изобразительным творчеством дает широкие возможности для познания прекрасного, для развития у детей эмоционально-эстетического отношения к действительности.
Альбер Марке — пожалуй, одна из самых важных фигур во французской да и в мировой живописи начала ХХ века. И пусть Марке известен меньше, чем его друг Анри Матисс, знать о нем необходимо: без его наследия не обошлась коллекция ни одного из мало-мальски значимых музеев, а ГМИИ им. А.С. Пушкина и музей Современного искусства города Парижа в этом году пышно отмечают 140-летие со дня рождения
Говоря об искусстве Марке, даже знаток смутится в определении стиля. Если Сезанн был одним из китов постимпрессионизма (наряду с Ван Гогом и Гогеном), а Матисс — диким зверем фовизма, то с Марке все отнюдь не так однозначно. Вместе с Матиссом наш герой учился в «оазисе свободы» — мастерской символиста Гюстава Моро в Школе изящных искусств и участвовал в ключевом для этой группы художников Осеннем салоне 1905 года. Тогда живописцы и были наречены критиком Луи Вокселем дикими зверями. Контраст ярким полотнам создавал стоящий посреди экспозиции бюстик как раз таки авторства Марке, и в весьма неоклассическом духе. Его Воксель, будущий автор термина «фовизм» (от французского fauve — «дикий») смело сравнил с Донателло. Цвет и форма у Марке сильно отличались от тех, какие были приняты у главных фовистов — Матисса, его товарища Дерена или, например, Вламинка. Вместо ярких и чистых красок — монохромные, меланхоличные пейзажи с видами Сены. А натюрморты с фруктами и вовсе напоминают сезанновские.
В 1934 году Марке посетил СССР. И пусть фовизм к тому моменту уже изжил себя, уроки парижского гостя восприняли на ура советские студенты. Результат — очевиден: серые пейзажи художников сталинского режима 30-х (от Антонины Софроновой до Николая Лапшина) остаются все такими же серыми, но приобретают узнаваемый флер меланхоличности.
Россию с Марке связывает не только тот факт, что полотна мастера активно покупал наиболее продвинутый из русских меценатов начала ХХ века — Сергей Щукин. В 1934 году по приглашению ВОКС (Всесоюзное общество культурной связи с заграницей) художник приехал в Ленинград, а затем посетил Москву и несколько провинциальных городов. И хотя впечатление о русской живописи у Марке исчерпывается всего лишь тем, что «Коровин неплох», французский мастер оказывает сильное влияние на советских художников. Речь о молодых дарованиях ВХУТЕМАСа — высших художественных мастерских, которые впоследствии незначительно переименуют, заменив «мастерские» на «институт». Среди русских последователей, которых художник осенил во время организованной ВОКСом встречи (кстати, весьма безрадостной, судя по мемуарам), — Софронова, Рыбченков, Маврина и Лапченков. Что показательно: вдохновившись творчеством заезжего француза, ВХУТЕМАСовцы бросились писать речные пейзажи во всех вариациях. Выходило в основном меланхолично — чувствуется, Марке слушали внимательно.
Полотна Марке — целиком и полностью об атмосфере, в них нет событийности или кого-либо нарратива: Свободы, ведущей народ, не ждите. На большинстве картин — Париж серых, болотистых и голубовато-сизых красок: так и чувствуются присущая городу сырость и холодный воздух. Марке передает атмосферу Парижа, избегая полного набора клише от художников предыдущего поколения — кафе с любителями абсента, пляски в Мулен Руж, идиллические посиделки в парках. Второй излюбленный жанр художника, как ни странно,— солнечные марины (этим словом искусствоведы называют любое полотно на морскую тему) с разноцветными флажками и нарядными морячками.
Не спешите очаровываться: сам Марке был человеком весьма закрытым и неразговорчивым. Матисс даже сравнивал его с моднейшим в Париже японским гравером Кацусика Хокусаем, у которого даже пейзажи по меланхоличности могли бы дать фору поздним фильмам Андрея Звягинцева.
ГЛАВА 1
БИОГРАФИЯ. ДЕТСТВО И ЮНОСТЬ
Альбер Марке родился 27 марта 1875 года в Бордо, в семье железнодорожного служащего.
С 1890—1895 учился в парижской Школе изящных искусств, в классе Гюстава Моро. Некоторое время был близок к фовистам, дружил с Матиссом и Дереном, его работы экспонировались на групповой выставке в Осеннем салоне 1905 года и Салоне независимых в 1906-м. Занимался книжной иллюстрацией (роман Ш.-Л. Филиппа «Бюбю с Монпарнаса», 1903). С 1919 жил в небольших городках области Иль-де-Франс много путешествовал, в том числе был в СССР (1934).
В 1920 году вышла первая монография о творчестве художника. Годы Второй мировой войны он провёл в Алжире, где впервые побывал в 1911 году вместе с Матиссом; участвовал в Сопротивлении. В 1945 году вернулся в Париж. В 1947 году Марке перенес тяжелую операцию, в этом же году художник умер.
|
Имя при рождении |
фр. Pierre Léopold Albert Marquet |
|
Дата рождения |
27 марта 1875 |
|
Место рождения |
Бордо |
|
Дата смерти |
14 июня 1947 (72 года) |
|
Место смерти |
Париж |
|
Гражданство |
Франция |
|
Жанр |
Живопись |
|
Учёба |
|
|
Стиль |
Постимпрессионизм |
Преобладающая часть работ Марке — пейзажи, чаще всего связанные с Сеной, а также взморья и гавани; городские виды, в том числе Парижа. Их отличает крайняя простота изобразительных средств и, вместе с тем, изысканная выразительность. Оставил большое графическое наследие (хранится в музее Мальро в Гавре). На выставке в парижской Галерее Дрюэ было представлено 39 композиций Марке.
Альбер Марке говорил: «Когда я начинаю картину, я не знаю, как её закончу»[1].
По словам М. Ю. Германа, искусство Марке: «Учит людей понимать драгоценные паузы и ждет тишины, возможно еще не наставшей».
ПЕРИОД СЕЗАНИЗМА: 1910—1916
Но алжирские "краски Востока" и общение с Матиссом не прошло бесследно: в середине 1910-х яркие декоративные орнаменты вновь появляются в творчестве Марке. На этот раз в сопровождении обнаженной натуры. Марке натуралистично изображает женскую фигуру, но вырывает ее из реального пространства, заменив его на абстрактный фон с цветочными узорами. Благодаря этому автору удается сконцентрировать внимание зрителя на женском образе.
В 1911 году Марке путешествует с Матиссом в Алжир. Эта поездка изменила отношение художника к пейзажу и цвету в живописи. К этому времени у него появляется несколько цветовых гамм – своя для каждого города. Алжир ассоциируется у Марке с белым, Париж – с серебристо-серым, а морское побережье юга Франции – с песочным и бирюзовым. Через эти гаммы художник каждый раз передает настроение места.
ПОСТ - РЕВОЛЮЦИОННЫЙ ПЕРИОД: 1917—1925
В частности, в Музее представлены материалы о поездке и впечатлениях Марке в СССР. В экспозицию также входят произведения выпускников ВХУТЕМАСа–ВХУТЕИНа 1920-х годов, представителей московской группы «13» и ленинградского объединения «Круг художников», которые в изображении городских пейзажей Москвы и Ленинграда решали пластические задачи, близкие к поискам французского живописца.
«РАДОСТЬ ДИКАРЯ»
В Музее Современного искусства Парижа открылась выставка замечательного французского художника Альбера Марке (Albert Marquet). Марке (1875-1947) занимает важное место в истории живописи. Художник был учеником Густава Моро и начинал вместе с Анри Матиссом, с которым дружил всю последующую жизнь. В начале своей карьеры Марке был близок к фовистам, однако в дальнейшем создал свой собственный стиль. Марке известен прежде всего как автор морских и городских пейзажей и является, как и его друг Матисс, непревзойденным колористом, хотя работы Марке гораздо более камерные. Может это и объясняет, почему, будучи при жизни уважаемым и известным художником, после смерти он не получил широкой известности. Выставка в Музее Современного искусства должна исправить эту несправедливость.
Масштабная ретроспективная выставка произведений Альбера Марке (1875–1947) в Государственном музее изобразительных искусств имени А.С. Пушкина.
Всего на выставке представлено 69 работ, которые сгруппированы в четыре раздела: «Марке и фовизм», «Париж Марке», «Путешествия художника», «Марке в России». Помимо 49 полотен самого Марке будут показаны работы его друзей-фовистов – Рауля Дюфи, Анри Мангена, Андре Дерена, Мориса де Вламинка, а также произведения российских художников, испытавших влияние французского мастера, – Антонины Софроновой, Бориса Рыбченкова, Татьяны Мавриной, Николая Лапшина и Александра Ведерникова.
ИЗОБРАЖАТЬ ТО, ЧТО УХОДИТ
Помимо необузданного «дикого» умения передать на холсте цветом чувственные ощущения, Машков отличался организационными способностями. Он жаждал упорядочивать, собирать, делать – самое время вспомнить о его стремлении создавать руками. Он был одним из организаторов «Бубнового валета», потом его секретарем. В 1915 году его приняли в «Мир искусства». В этом же году – второй брак, на этот раз со своей ученицей, художницей Еленой Федоровой. Она изображена на «Натюрморте с женской фигурой».
Революцию Машков принял с восторгом, как и многие другие авангардисты. Занимался профсоюзом художников, состоял во множестве сообществ и организаций, преподавал живопись, во-вторых, Свободных государственных мастерских (в которые превратилось Московское училище живописи, ваяния и зодчества), а затем – в Высших художественно-технических мастерских.
Параллельно бурной организационной деятельности он начал писать совсем иного толка картины, так называемые «музейные натюрморты Машкова». Это изобилие фарфора, алой мебели, декоративности. Сопоставив с историческим контекстом, понимаем, что всё это в постреволюционные годы довольно активно разрушалось. И речь отнюдь не о случайном совпадении. На выставке Ассоциации художников революционной России (АХРР) «Революция, быт и труд» в 1925-м году Машков выставляет знаменитый триптих «Снедь московская»: «Хлебы», «Мясо, дичь» и «Фрукты». В изготовлении составляющих «Хлебов» принимала участие уже третья и последняя жена Машкова, художница Мария Данилова, которая испекла некоторые «атрибуты» собственными руками. Оглянувшись на исторические события, понимаем, что страна в этом время мучительно отходила от попыток создания военного коммунизма и впереди тоже маячили не золотые времена. И вдруг – такая роскошь, такое изобилие! Прощание с едой?
Речь не о том, что Машкой был диссидентом – отнюдь. В юношестве презирающий авторитеты, он бьется за каждую грамоту и каждое звание в СССР и с гордостью цитирует к месту и не к месту аббревиатуры организаций, в которых «состоит и привлекается». В данном случае, вероятно, имеет место ситуация, когда творчество выходит за рамки взглядов личности. И машковские несказанно яркие, притягательные, безусловно вкусные яства, кажется, предчувствуют свою судьбу – надолго превратиться из еды в муляжи.
Картины приняли, а от художника стали ждать шедевра на революционную тему. Он едет в Крым, собирает впечатления, пишет импрессионистские пейзажи и портреты – отправленные в крымские дворцы рабочие и крестьяне, множество купальщиц, пляжи. Портретам Машкова не свойственен психологизм, люди у него представляют слепок формы, функции. Но от него по-прежнему ждут революционного панно.
И тогда Илья Машков решает отправиться на свою родину, в Волгоградскую область, где пишет серию крестьянских портретов и пытается обучать живописи крестьянских детей, а также проявляет необычайно активную деятельность в создании в родной станице в бывшем помещении церкви Дома культуры. По собственноручно сделанному им эскизу изготавливают вывеску «Дом Социалистической культуры (ДСК) имени заслуженного деятеля искусств профессора И.И.Машкова». Он отправляет послания в органы и сетует в них на несознательность станичников, которые, кулаки упертые, не светятся от счастья, осознав возможность, бросив всё, строить коммунизм. Например, жалуется, что его старания в создании ДСК «кулацким агентам и другим вредным элементам как в городе Урюпинске, так и в хуторе Михайловском – не по вкусу. Установить, кто именно персонально это такие люди для точности и пользы дела при желании вышеперечисленные органы могут выяснить в кратчайшие сроки сами».
А на его картинах румяные колхозницы пышут здоровьем, на них смотреть тепло и сытно! Всё в лучших традициях натюрмортов Машкова. Но сегодня-то мы знаем, что 30-е годы – это жестокий голод в Поволжье… Певец плоти и чувственности снова пишет о том, что уходит, уже ушло?
ВНЕЗАПНЫЙ ПОСТМОДЕРНИЗМ ИЛИ ПРОГРАММНЫЙ СТАЛИНИЗМ?
Источники
Альбе́р Марке́ (фр. Albert Marquet, 27 марта 1875, Бордо — 14 июня 1947, Париж) — французский художник-постимпрессионист, близкий к фовистам.
Альбер Марке родился 27 марта 1875 года в Бордо, в семье железнодорожного служащего.
С 1890—1895 учился в парижской Школе изящных искусств, в классе Гюстава Моро. Некоторое время был близок к фовистам, дружил с Матиссом и Дереном, его работы экспонировались на групповой выставке в Осеннем салоне 1905 и Салоне независимых 1906. Занимался книжной иллюстрацией (роман Ш.-Л. Филиппа «Бюбю с Монпарнаса», 1903). С 1919 жил в небольших городках области Иль-де-Франс много путешествовал, в том числе был в СССР (1934).
В 1920 вышла первая монография о творчестве художника. Годы Второй мировой войны он провёл в Алжире, где впервые побывал в 1911 вместе с Матиссом; участвовал в Сопротивлении. В 1945 вернулся в Париж. В 1947 году Марке перенес тяжелую операцию, в этом же году художник умер.
Преобладающая часть работ Марке — пейзажи, чаще всего связанные с Сеной, а также взморья и гавани; городские виды, в том числе Парижа. Их отличает крайняя простота изобразительных средств и, вместе с тем, изысканная выразительность. Оставил большое графическое наследие (хранится в музее Мальро в Гавре). На выставке в парижской Галерее Дрюэ было представлено 39 композиций Марке.
Альбер Марке говорил: «Когда я начинаю картину, я не знаю, как её закончу».
По словам М. Ю. Германа, искусство Марке: «Учит людей понимать драгоценные паузы и ждет тишины, возможно еще не наставшей».
ОСОБЕННОСТИ ТВОРЧЕСТВА ХУДОЖНИКА
ПЕРИОД СОЦРЕАЛИЗМА: 1926—1944
Триель, 1931, все — Париж, частные собрания). В период 1930-х в творчестве Марке проявились романтические интонации: пейзажи ночного Парижа пронизаны беспокойными ритмами, динамикой вспыхивающих, фосфоресцирующих цветов (Новый мост ночью, 1937, Париж, Нац. музей современного искусства; Ночной Париж, 1937, Париж, частное собрание). Годы оккупации Марке провел в Алжире. В 1945 вернулся в Париж.
Марке проявил себя как талантливый рисовальщик, иллюстратор, мастер акварельной живописи.
В 1934 году Марке посетил СССР. И пусть фовизм к тому моменту уже изжил себя, уроки парижского гостя восприняли на ура советские студенты. Результат — очевиден: серые пейзажи художников сталинского режима 30-х (от Антонины Софроновой до Николая Лапшина) остаются все такими же серыми, но приобретают узнаваемый флер меланхоличности. Об этом — ниже.