Файл: Колористическая, цветовая и тональная организация живописного произведения Красные рыбки.pdf
Добавлен: 29.03.2023
Просмотров: 311
Скачиваний: 1
1.1 Общее понятие колорита в живописи
Живопись - это изобразительное искусство, с помощью которого художник передает зрителю свои чувства и эмоции. Живопись означает «писать живо». Главную роль в живописи играет цвет. Цвет подразделяется на две гаммы - теплую и холодную. Совокупность цвета и оттенков в картине, их взаимоотношение образовывают такое понятие как колорит. Закономерность колорита в живописи - это переработанное сознанием художника увиденная им реальность.
Изучением воздействия цвета в картине на зрителя занимались разные художники всех эпох. Русский художник Г.Б. Якулов после своих путешествий по странам мира пришел к выводу, что колорит в живописи различных народов зависит от солнечного света, а он в разных местах мира, как правило, не одинаков. Например, история «красного тумана» Моне. Французский художник Клод Моне писал Вестминстерское аббатство в Лондоне в обычный туманный день. Когда картина была выставлена, все лондонцы были возмущены, туман на картине имел багровый оттенок, когда, как всем известно, что туман серый. Но выйдя на лондонские улицы, возмущенные увидели, что туман имеет действительно красный оттенок. Объяснение этому феномену являются красные кирпичные лондонские дома, которые под воздействием солнечного света и окрасили туман в такой необычный оттенок.
В разные эпохи сложилось разное понимание систем колорита. С помощью света и тени художники передавали не только пространство, форму, объем, но и выделяли нужную деталь, которая привлекала бы зрителя.
Итак, художник должен обладать знаниями теории цвета, чтобы расположить к себе зрителя и донести до него свою правду. А о колорите нельзя говорить однозначно, так как понимание действительности у всех разное. Два художника, изображая один и тот же сюжет, не могут создать одинаковых картин, так как каждый видит по-своему, каждый выражает свои чувства и выбирает главное по своему разумению, но обе картины могут претендовать на яркую жизненность образов.
1.2 Колорит в разные эпохи
В разные эпохи образовались целые колористические системы. Самым ранним считается локальный колорит. Его особенность заключается в том, что цвет предмета обусловлен и не имеет оттенков, предметный цвет имеет свой родной окрас: небо - голубое, трава - зеленая, снег - белый и т.д. Такой цвет стали считать локальным. Этот вид колорита встречается в декоративно прикладном искусстве. Поэтому сложные цвета получили свои имена по окраске предметов: сиреневый, вишневый, оливковый.
В XV веке краски на полотнах итальянских, французских, немецких художников существовали как бы независимо друг от друга.
Живописцы Возрождения, например Тициан, используют цвет как форму проявления жизни натуры. В эпоху барокко цвет является в большей степени элементом живописной фантазии, выполняющей прежде всего эстетические функции.
Живопись старых мастеров была построена на изысканных красочных переходах, смешанных тонах, сложных технических приемах. Они использовали сильные тоновые и цветовые контрасты. Чтобы получить желаемый цветовой тон, старые мастера часто использовали прием лессировки.
В XVIII веке эта эстетическая игра с краской становится еще более изысканной, сложной и виртуозной. Художники используют тончайшие нюансы одного цвета для лица, волос и одежды. На первый план выступают цвета — белый, светло- желтый, кофейно-коричневый.
Для XIX века характерна борьба различных тенденций, противоречие между цветом и формой. В это время цвет служит главным образом для оптических экспериментов.
Живописцы XIX века, особенно импрессионисты, научились воссоздавать солнечное сияние, выделяя светлое на светлом. Они перешли к применению чистых красок, используя эффекты оптического смешения цветов, больше внимания уделяя цветовым контрастам.
Если всмотреться глубже в живопись старых мастеров, можно представить эволюцию колорита в следующих главных этапах. В живописи XV века (все равно — итальянской, нидерландской, французской, немецкой) краски существуют как бы независимо от светотени: художник расцвечивает предметы и независимо от их красочной оболочки моделирует их градациями света и тени. При этом фигуры героев не сливаются в колорите с окружающим пространством в одно целое: фигуры предстают пестрыми, яркими, фон выдержан в неопределенно-серых или бурых тонах. Наконец, в каждой краске сильно чувствуется пигмент, она как бы остается на плоскости картины, не погружается в глубину пространства, не превращается в изображение.
На картине «Гармония в красном» А. Матисса основную часть занимает красная комната с узором на стенах и скатерти. Художник все контрасты приглушает близкими к красному цвета: коричневатые спинки стульев, оранжевые и багровые яблоки, что более разнообразило узор. Переход от стены к окну оконтурено золотистой рамой. За окном другое пятно, которое имеет холодную гамму. С помощью цветовых пятен и сочетания приближенных цветовых отношений создается гармоническое и упорядоченное разнообразие.
Холодные цвета имеют свойства удаляться, а теплые приближаться. Цвета могут быть материальными, глухими и плотными. Примеры таких цветов изображены на картинах М.Ф. Ларионова.
Цвета также могут быть мрачными, легкими, насыщенными, глубокими, воздушными и т.д. Эти «поэтические» цвета, благодаря разбеленности, создают ощущение воздушной среды окутывающего предмета. Предпочтение таким цветам отдавали многие мастера XX века, такие как П.В. Кузнецов, А. Марке. Также применение локального колорита очень развито в мультипликационных фильмах.
Для локального колорита главным становится обобщенность освещения, подводящее цвет предмета и самого сюжета к единому состоянию, и на картинах он создает впечатление, что сюжет словно озарен ровным рассеянным солнечным светом. А от задачи художника зависит, в какой степени выраженности будет это состояние.
Переход от локального к тональному колориту сложился в эпоху Возрождения в Нидерландах и Италии. Художников привлекала насыщенность цвета в реальной среде.
Степень светлоты цвета называется тональным колоритом. Так как объемные предметы освещены неравномерно, они состоят из нескольких цветов. Изменчивость бликов, полутонов, теней и рефлексов создают играющую поверхность предмета. Умение строить светом форму предмета называется пластикой цвета. Определенное освещение дает тону цвет. Основой тонального колорита является плотность предмета. Такой тональный колорит мы встречаем на картине художника П. Брейгеля «Охотники на снегу», он написал зимний пасмурный день. Художник хорошо передал степень освещенности, выдержал общее состояние картины, противопоставил теплые и холодные гаммы без резких переходов.
Также в эпоху возрождения тональный колорит складывается в искусстве светотени. Свет может быть спокойным, трагическим, таинственным, тревожным, радостным. Он может выражать чувства и подобрать каждому свое состояние. Свет, как было упомянуто раньше, разбивает предмет на две части - освещенная и затемненная. Особенность света вносит в картину определенный колорит.
Тональный колорит имеет две системы. Более ранняя связана с условным освещением, ее можно назвать драматический колорит. Здесь свет и тень построены на контрастах. Передний план чаще всего освещен, а объединением картины является темный фон. Метод лессировок очень связан с типом этого колорита. Основным контрастом в этом методе является отношение светлого к темному. История написания картины Н.Н. Ге «Тайная вечеря» является показателем построения такого отношения. Художник Ге долгое время не мог найти нужного решения в эскизах, он даже вылепил из глины эту сцену, но нужного решения так и не нашел. Отчаявшись, он стал искать другой сюжет. Однажды со свечкой в руках он спустился в мастерскую, чтобы найти рисунок. Поставив свечку напротив вылепленной сцены, он, обернувшись, замер. Свеча осветила сюжет так, что впереди стоящая фигура Иуды на фоне освещенной группы оказалась мрачным силуэтом, и решение было найдено. Фигура предателя показала весь драматизм этой сцены. На следующий день художник начал писать картину, и когда она была окончена, она имела большой успех.
Мастером света был Рембрандт Харменс ван Рейн. Он очень ловко обращался со светом и тенью, раскрывая при этом поэтичность образа. Обычно на его картинах освещенной частью являлись лица, руки или другие детали, все остальное он погружал в полумрак или в определенную среду. Благодаря передачи светотени он выделял душевные переживания персонажей.
Другому типу тонального колорита положили начало французские импрессионисты, такие как Э. Делакруа, К. Моне. Они и дали название этому направлению (импрессионизм). Художники основывались на сопоставлении дополнительных цветов, противоположных по спектру. Этим законом контраста пользовались Э. Мане, К. Моне, А. Сислей и другие последователи в разных странах, в числе которых были и русские живописцы И.Э. Грабарь, К.А. Коровин. Эти художники пользовались сложными оттенками, при этом располагая рядом небольшие мазочки чистых цветов. Их колорит имел кремово-золотистые света и холодноватые тени. Такое создание колорита повлияло на развитие живописи.
Колористические системы в живописи очень разнообразны, и нельзя из них выделить основные. В каждом произведении живописи играет своя эмоциональная сила, действующая на чувства зрителя, которая отвечает идее произведения. Гармония состоит из переходов, оттенков и самого настроения художника. А замысел образует колорит сильных звучаний.
Понятие колорита начинает складываться в конце XV века, достигает расцвета в эпоху барокко, обостряется у Констебля и особенно у импрессионистов.
1.3 Комплексный анализ работы Анри Матисса «Красные рыбки»
Анри Матисс – признанный классик искусства двадцатого столетия. На протяжении всей своей жизни он создавал произведения, поражавшие всех своей яркостью и щедрой красочностью. Красоту окружающего мира художник раскрывал при помощи чистых красочных пятен, контрастных, но гармонично уравновешенных, наполненных солнечным светом.
Плоскостность и орнаментальность композиционных построений вовсе не превращают матиссовские полотна в декоративный ковёр, так как в них таится по-новому воплощённое содержание.
Художник создаёт особое декоративное живописное направление, основанное на удивительном сочетании внешней простоты и утончённости исполнения.
Прежде чем отыскать собственный стиль Матисс повторяет путь развития искусства в целом. Художник проходит через копирование мастеров прошлого, школу импрессионизма и неоимпрессионизма, синтезирует в своём творчестве искусство других культур. Матисса можно сравнить с титанами эпохи Ренессанса: Микеланджело, Леонардо да Винчи и пр. Его яркий талант проявился не только в живописи, но и в гравюре, рисунке, керамике, скульптуре, дизайне, иллюстрации. Матисс оставил после себя огромное эпистолярное наследие. В 1908 году появляется его знаменитая книга «Заметки живописца», в которой собраны статьи художника об искусстве.
Искусство Матисса светлое и жизнерадостное. Оно словно является подтверждением того, насколько разнообразен может быть авангард. Что он не только уводит в лабиринты подсознательного или пугает, но и идёт навстречу земным радостям человека. Человека, любящего земные красивые вещи и цветы, естественную грацию женщин и ласковый свет солнца. Отличительной особенностью творчества Матисса стало отображение одних и тех же предметов: ковров, красных рыбок, тканей, статуэток. Несмотря на то, что написаны они разными способами, их всегда можно узнать.
Матисс предпочитал использовать для выражения своих эмоций не формы, а цвета, полагая, что именно так можно создать произведение, интересное зрителю. Ярким подтверждением его правоты является полотно «Красные рыбки», которое Матисс написал в 1912 году.
Сюжет картины довольно прост: перед зрителем предстает небольшой живописный уголок — то ли кусочек террасы, то ли оранжерея. Яркие пятна цветов и сочная зелень листьев служат фоном для небольшого стола, на котором уютно расположился аквариум с плавающими в нем красными рыбками. В левом нижнем углу видна ажурная деталь — возможно, это часть садовой скамейки или же элемент ограды. Вся композиция выполнена в контрастных и ярких тонах, создающих приподнятое настроение.
Как и во многих работах этого талантливого живописца, в картине Анри Матисса «Красные рыбы» нарушены правила перспективы. Стол нарисован так, как он выглядит при взгляде сверху, в то время как на аквариум зритель смотрит сбоку. Если присмотреться внимательнее ко всем элементам, то можно обнаружить, что ритм всей картине задает форма круга. Небольшие зеленые листочки растений в верхнем левом углу холста рифмуются с такими же круглыми листиками внизу справа, а формы аквариума гармонируют с очертаниями столешницы. Элемент в виде круга есть даже на ножке стола, выглядывающей снизу. Благодаря этому приему художнику удалось вложить в свою картину чувство умиротворения, передать то состояние спокойного созерцания, которое обычно охватывает человека, наблюдающего за рыбками в аквариуме.
Вода, в которой плавают рыбки, такая прозрачная, что на ее поверхности мы видим их отражение — такое же яркое и сочное, хоть и лишенное четкости. Два горшка с комнатными растениями, стоящие на столе, уравновешивают композицию: яркие зеленые листья на светло-лиловой столешнице перекликаются со схожими оттенками в верхней и нижней части картины Матисса «Красные рыбки».
Творчество Анри Матисса очень своеобразно, так как у художника много отличительных черт. Картина «Красные рыбки», на мой взгляд показалась очень необычной. Данную технику работы мы можем встретить крайне редко. При работе с картиной можно прочувствовать вдохновение художника и особенности его творческой деятельности.