Файл: The Art of Mixing (David Gibson).pdf

C H A P T E R 1

All Aspects of a Recorded

Piece of Music

Visual 3. 11 Aspects of Recorded Piece of Music (see color Visual 3C)

When I did my first album, the mix sounded great but

the band and the song weren't that hot. Everyone

who listened to it agreed that it wasn't that great—

they couldn't separate the mix from the music. Most
people don't differentiate between the individual
parts that make up a recorded piece of music.

An engineer, however, will often make com-

ments about aspects of a recorded piece of music
other than the recording or the mix. If there is a pro-
ducer, he or she is actually responsible for the details,
but most often there isn't a producer, so the engineer
takes on that role. Even when there is a producer, he
or she will rely heavily on the values and critiques of
the engineer. In fact, groups often go to major stu-
dios solely because of the production assistance they
get from professional recording engineers. This
chapter covers the aspects that go into creating a

quality recorded piece of music.

All of these eleven aspects contribute to what is

perceived as a quality recording and mix. Every
aspect of a song should meet at least the minimum
requirements of perfection. If any one of them is
lacking, it will show through as the weak link in the
whole recording. Even though each aspect is only a
small part of the overall song, any single flawed aspect
could destroy the whole song. If all of the eleven
aspects are incredible or perfect, the chances of a
song becoming a hit are probably a million to one. If
any one of these components is less than perfect, the
chances for success go down exponentially. There-
fore, it is necessary to critique and refine each of

these aspects whenever possible. You wouldn't think
the job of an engineer would include working on
things like the concept of the song, the melody,

1

Chapter One

rhythm, and harmony; after all, aren't those things
the responsibility of the band? Besides, if the music
or band is bad, it isn't the engineer's fault; and mak-
ing comments in these sensitive areas could be haz-
ardous to your health and/or job security. However,
the big secret is that professional engineers do more
than just getting sounds on tape and mixing them
down. Professional engineers help refine all these

aspects whenever possible. This is a secret for obvious
reasons: If you call engineers "producers," they get a
lot more money. In fact, the engineers who are really
good at it often become producers.

There are plenty of great books and no shortage

of classes on how to refine these aspects. Therefore,

we'll briefly examine each of these components in

order to put "the mix" into perspective. The rest of
this book is about the mix.

Quality is defined in different ways by different peo-
ple, so it can take awhile to learn all the ways in which
songs can be refined. But if you pay attention, you

will develop your own values. If you ask yourself every
step of the way, "Do I like this or not?" you will natu-
rally develop your own perspective on what you like
and what is "good." When it comes to values, the only
one that's really bad is "no values at all." If you don't
have an opinion, you're in the wrong business. If you
don't know what you like, just listen.

The definition of what constitutes "good" and

"quality" is extremely subjective and ever changing
for each of the eleven aspects. People have very
strong opinions; therefore, the only way to approach
this emotionally charged subject is to list commonly
held values and preferences. You can use this list to
begin your lifelong study of people's values. It is
important to recognize where people's values and
preferences lie, so that you know where they are com-
ing from. It makes it easier to work with them, please
them, and negotiate with them. With this in mind,
let's discuss each of the aspects of a recorded piece of
music that can be refined and common suggestions
that recording engineers make in each area.

Aspect #1: Concept or Theme

The concept or theme can be defined as the combi-
nation of the other ten components. It is also known
as "the mood," "the flow," or "the aura," depending
on your perspective. It is usually defined as the feel-
ing or idea that is conveyed most consistently and
strongly in the most number of aspects of a recorded
piece of music.

Songs vary in the consistency or cohesiveness of

the concept. In some songs, the concept is quite
strong and cohesive, while in other songs it might be
non-existent (although the concept could be "no

concept"). As an engineer, you might suggest ideas
that help make the concept stronger and more cohe-
sive. Such a comment might be made when some-
thing in a song just doesn't seem to fit. For example,

you might point out that a screaming heavy metal gui-

tar just doesn't fit the mood of a love song, or a
spacey flange effect might not fit a straightforward
rock 'n' roll song. Perhaps someone wants to use a
sound or effect that they heard in another song, but
it isn't appropriate for the current song. It is the engi-
neer's responsibility to point out these inconsisten-
cies (with kid gloves, of course).

Discovering how each aspect relates to and con-

tributes to the cohesiveness of the whole song can
often reveal inconsistencies and deficiencies that
might need to be fine tuned. Even more importantly,
such a detailed analysis can sometimes provide inspi-
ration and lead to the creation of new ideas.

Positive values for the concept or theme can be

its existence, cohesiveness, color, or complexity. Neg-
ative values can be that it is rote, uncreative, or pre-
dictable.

Aspect #2: Melody

Commenting on someone's melody line can be espe-
cially dangerous. Statements such as, "The melody
sucks," does nothing for the creative process, much
less your relationship with the band. The truth is that
there isn't too much that you can say about a melody
line. You might point out that it is too busy or too sim-
ple, but in both cases it might just be what the band
really wants.

In order to avoid copyright problems, you would

want to comment if you find that the melody line is
exactly the same as another song. As an engineer, you
would probably point out a bad note in a melody, but
it might turn out to be intentional. You might also
come across a case where the band is improvising
around the melody in the choruses of a song (espe-
cially in jazz). You could mention that it might be a
good idea for them to go ahead and sing or play the
melody line straight in the first chorus in order to
establish the melody.

Positive values for a melody can be that it is

catchy, hummable, beautiful, or interesting. Negative
values can be that it is busy, banal, simplistic, annoy-
ing, or chaotic.

Aspect #3: Rhythm

Those of you who know a lot about the complexities
of rhythms, might make some suggestions if you feel
it is appropriate. There are entire worlds of rhythm
that are taught in music theory classes. However, even

if you know nothing about rhythms, there is still one
thing you could critique: Is the rhythm too busy or

2

The Art of Mixing

too simple? Anyone can tell if the rhythm is boring or
too complex. If you are falling asleep, it could proba-

bly use some spicing up. If you can't keep up, the
rhythm might need to be weeded out a bit.

When one rhythm part is not working with

another, you might want to inform the band. Perhaps
the guitar part is stepping on the keyboard part. If so,
say something. In fact, if any part is bugging you, you
might just quack (then duck).

It is also a good idea to check out the variation

in rhythm parts from section to section in the song.
For example, you might suggest that the drum pat-
tern be changed a bit for the lead break or bridge. A
change in the guitar part might be appropriate for
the choruses. Perhaps the way that the rhythm parts
change from section to section doesn't work for you
or is distracting. If so, you might say, "Hey, is that
really the way you want it?"

You might comment on the tempo of the song if

it seems to be Russian or dragon (hee, hee). Often lis-
tening to the vocals can be a good clue as to whether
the tempo is right.

Positive values for rhythm can be that it is too

intricate or too simple. Negative values can be that it
is too simple, too busy, has the wrong tempo, or is
disjointed.

Aspect #4: Harmony

First, if you can arrange the harmony parts for the
band, they will normally think you are God—that is,
if they can sing them. Even if you don't know any-
thing about chord structures, inversions, or voicing,
most people can tell if it just doesn't sound right
somehow. If so, squawk.

Besides critiquing the actual notes in the har-

mony parts, you can also make suggestions about the
number of parts and their ultimate placement in the
mix. A band may not be aware of all the different ways
that background vocals can be recorded.

You could record a three-part harmony on one

microphone and place them in the left speaker in the
mix, then record the same three parts on another
track and place them in the right speaker, creating a
full stereo spread of harmonies. You could also
record the three parts with three separate mics and
place them left, center, and right between the speak-
ers; then record the same three parts again and place

them so that you have two parts of each left, center,
and right. You could also record a three-part har-
mony ten times on ten different tracks so that you
have thirty vocals. Then "ping-pong" (bounce) the
thirty parts down to two open tracks. Once you have
mixed the thirty tracks down to only two tracks, you
can then erase the original ten tracks and reuse them.

You end up with thirty vocals on two tracks in full

stereo for that Mormon Tabernacle Choir effect.

Many bands don't realize all the possibilities for

recording background vocals, so it is the responsibil-
ity of the engineer to suggest these possibilities when
they might be appropriate. I will commonly have the
band at least double the background vocals (record
them twice).

Positive values for harmony could include it hav-

ing multiple parts or unique chord structure. Nega-
tive values could be that it is too simple, too full, or
has an inappropriate chordal arrangement.

Aspect #5: Lyrics

Telling someone that their lyrics are lame is not good
for your health. It is amazing how many hit songs
have stupid lyrics. Therefore, I recommend that you
be especially careful when making comments about
someone's lyrics, unless you know the people well.

If you add one word to a song, you then own

half of the song by law. As you can imagine, this
makes some songwriters quite wary of taking any sug-
gestions. Therefore, because of copyright laws, an
engineer should be extremely careful when making
suggestions in this area. Instead of coming up with
some new lyrics, it is always better to try to get the
band to come up with new ideas themselves.

One of the most important things to watch out

for is that the lyrics are rhythmically correct. In cer-

tain types of music, such as rap, it is critical that the
lyrics fit the music rhythmically. If you hear lyrics that
have too many or too few syllables, you might say
something. Ask the band if they are happy with the

way the lyrics work with the music rhythmically. If

they're not, try to get them to come up with some-
thing else. Going out on a limb to help refine any

weak lyrics could mean the difference between a hit

or just an overall great song.

Positive values for lyrics can be that they are

heartfelt, sincere, thoughtful, rhythmic, poetic, or
lyrical. Negative values can be that they are banal,
cliched, corny, or nonsensical.

Aspect #6: Arrangement

The term "arrangement" is used here to refer to the
density of the arrangement, the number of sounds in
the song at any single moment, including how many

sounds are in each frequency range.

The main aspects to evaluate in an arrangement

are the sparsity or density. If the band is obviously try-
ing to create as full a mix as possible, you might make
some suggestions to help. Adding more sounds or
notes is the best way to fill out a mix. Therefore, you
might suggest doubletracking (recording the same
part twice) or even tripletracking. You could recom-
mend doubling a part with a different instrument or

3

Chapter One

even suggest that someone play a busier part. You can
also mention that adding time-based effects, such as
delays, flanging, or reverb, will help to fill out the
arrangement. And recording a part in stereo with mul-
tiple microphones will add to the fullness of the song.

However, a more common problem with

arrangements is that they are too full and need weed-
ing out. There are some bands that would record 48
tracks if available, just because they are there and they
can! Even worse, when it comes to the mix, they want
all 48 tracks in the mix because they have become
attached to their parts. After all, they spent so much
time recording them. Even if there isn't enough room

between the speakers for all of the sounds, they want
it all in there because they did them.

It often becomes your duty to try to weed out the

arrangement, for clarity's sake. An engineer will often
suggest turning off (muting) certain tracks in particu-
lar sections of the song. Dropping out parts like this
can make certain sections of the song seem more per-

sonal and will contribute to the overall clarity.

Bands often don't think about dropping out

sounds from the mix because they are used to playing
live onstage. It might never occur to them to actually
stop playing in certain parts of the song: "What do

you mean stop playing?!" Often, simply demonstrat-

ing what it would sound like will convince the band.
It is especially common when mixing hip hop or
techno to turn various tracks on and off throughout

the

 mix.

On a more detailed level, the engineer might

point out when too much is going on in a specific fre-
quency range. You might suggest playing a part at a
different octave or in a different inversion.

Positive values for an arrangement could be that

it is sparse, full, builds and breaks down, or changes
in interesting ways. Negative values could be that it is
too busy or full, has too many instruments in a par-
ticular frequency range, or is too thin.

Aspect #7: Instrumentation

As the engineer, you're responsible for making sure

that the sound of each instrument is good, even
though it is the band who has chosen the instruments.
If there is something wrong with an instrument sound,

you can only do so much to fix it in the mix, no mat-

ter how much you process or effect it. Therefore, it is
important to recognize bad sounds in the first place,
so you can replace them. If you can't replace them,
point them out so that the band realizes the instru-
ment sound was bad, not the mix.

For example, if you have a drum kit that doesn't

sound so great, see if you can rent another set. In
addition, make sure all the heads are new. Let the
band know that there is nothing in the control room

that can fix a drum head that's held on with duct
tape. Also make sure that there is nothing wrong with
the guitar sounds. Each guitar should be set up so
that the intonation is right. There is no reason for a
guitar player to use the one guitar they have for the
entire album. Beg, borrow, or steal a selection of gui-
tars for the project. The album will normally sound
much better with a variety of guitar textures.

Make sure all the amps sound good. Again,

there is no reason for you to have only one amp

sound on an album. It is especially effective to use a
"Y" cable, so one guitar can feed two different amps.
Recording the two amps on two different tracks gives

you a variety of sound combinations, creating a totally
unique sound.

You should also become familiar with all of the

sounds within each synthesizer in the studio you are
working in, so that the band won't have to spend two
hours going through all 5000 presets. You can easily
direct them to the banks with the types of sounds they
are looking for. An engineer will commonly suggest
unique sounds to incorporate into a song. There is a
huge number of totally unique and bizarre sounds
that could be used. There is a world of different eth-
nic percussion instruments available these days. You
might even suggest designing a new sound altogether
with a synthesizer or computer. You might also think
about sampling some unusual natural sounds and
using them as instrument sounds. When placed low
in the mix, some very unusual sounds can actually fit
in quite well, even in the most normal type of song.

The recording engineer is quite commonly the

most knowledgeable person in the studio when it
comes to being aware of all the types of musical instru-
ments and sounds available. Professional engineers
get to know the difference between different brands
and types of instruments intimately. Often the engi-
neer is the most qualified person to make suggestions
on the appropriateness of a particular instrument for
a song. In fact, producers commonly rely on the engi-
neer's expertise when it comes to instrument sounds.

Positive values for instrumentation can be that it

is unique, unusual, bizarre, or new. Negative values
can be that it's the same old same old.

Aspect #8: Song Structure

The song structure refers to the order and length of
the song sections (intro, verse, chorus, lead break,
bridge, vamp). As an engineer, you wouldn't normally
say very much about the structure of someone's song,
unless you knew the songwriter well. However, if the
structure somehow bothers you, or if you have an
idea to make it better, you might ask the band what
they think.

For instance, you might point out that a five-

4

The Art of Mixing

minute lead break is a bit long, and a record com-
pany might not be patient enough to listen to an
introduction that is longer than ten seconds. You
might suggest that they do two different versions or
that you edit the final mix to make a shorter version.

A positive value for song structure can be that it

is different from the norm, while a negative value can
be that it is too simple or normal.

Aspect #9: Performance

The recording engineer—whether there is a pro-
ducer on the project or not—is most often responsi-
ble for critiquing and refining a performance. There
are five main aspects of performance that a recording
engineer may be involved in: pitch, timing, technique,
dynamics, and greatness (the goosebump factor).

PITCH

Normally, the recording engineer is ultimately
responsible for all instruments being in tune and
every note of a performance being in pitch.

There are two levels of pitch perception. Perfect

pitch is when you can recognize the exact note or
frequency of a sound. Some people can tell you the
frequency (such as 440Hz) when they hear a note.
This skill, although great to possess, is fairly rare.

Relative pitch, the ability to tell if a sound is in

tune with previous sounds in a song, is much more

common and is extremely important. It is critical for
a recording engineer to develop good relative pitch
perception. Although some people are born with it, if

you are not, it is a skill that can be learned. There are

some very good computer programs and study
courses on tape that teach this skill.

I know from personal experience that just about

everyone interested in this business has very good
pitch, though they might not be quick at it. The trick
is to become skilled at hearing the pitch of every sin-
gle note in a string of notes at a fast tempo. Ulti-
mately you need to be able to hear the pitch of each
note as well as the relative pitch of the beginning,
middle, and end of each note. It all comes down to
simply concentrating on finer and finer moments.

And, of course, this amount of concentration be-
comes easier with practice.

The hard part is getting to the point where you

can remember which note is out of tune in an entire
riff. It is great if you can also tell if a note is flat or sharp,
but it is not absolutely necessary. It is enough to know
simply if a note is out of pitch and which one it is.

TIMING

Another important skill for a recording engineer to

master is being able to tell if the timing is stable.
Some people are born with perfect timing percep-

tion. However, most of us have to listen closely. Some
people pat their leg. Others keep time with one fin-
ger in the air. Some just tilt their head in a funny way.
Regardless of the technique, it takes serious concen-
tration to hear variations in tempo.

There are certain points when timing typically

varies in performances. Drummers commonly speed
up when they do a torn roll, so it is critical to listen
closely to torn rolls. Also, a band will often speed up
at the end of a song as they get rocking.

Some people are fanatics about stable tempo

and go out of their way to get tempos to be as stable
as possible. Therefore, it is critical to find out if the
band's values lie in this area, so that you can give the
necessary added attention and focus to the timing. If
a band doesn't care, work with them to get them to
focus on it more. One interesting technique is to
have them play to a click track for awhile. Only if the
drummer has practiced with the click track for weeks
can he or she actually play with one in a recording
session, so take the click track out of their head-
phones when they are ready to record. They will now
be more focused on timing.

Do what you can, but there is only so much you

can do before they get irritated. Always try to calcu-
late how far you can push them.

TECHNIQUE

There are specific techniques that musicians must
learn for each instrument; these will vary depending
on the style of music being played. Any tips or tech-
niques you can offer to a musician can only help. Of
course, you can't be expected to know the right thing
to say to a musician for each and every instrument;
but the more you work in the business, the more

tricks you pick up.

For example, there are specific techniques for

playing each of the drums in a drum set. The kick
drum should be "popped" with the foot. For some
styles of music, it is best to really whack the snare
drum. For guitar players, there are many little things
to watch out for, such as not causing any string buzz
or not causing the strings to squeak as you move up
and down the neck. All that is necessary is to point
out the problems.

There is a wide range of comments that you can

make to help singers (as well as a wide range of com-
ments that don't help). Suggestions such as, "Sing
out," or "Project more," can be helpful if given at the
right moment and with sensitivity. Often it helps to
get the singer to focus more on using their dia-
phragm. Some people will even have a vocal coach
come into the studio during the recording session to
really help out.

It is especially important to pay close attention

5

Chapter One