Файл: Абстрактная композиция и начало проектирования.pdf

Введение

«...Абстракция устраняет из теории все несущественное. Если вы вводите абстракцию умело и ведомы своим чутьем (интуицией, если угодно), то вы отбрасываете несущественные отношения» (Ж. Дьедонне).

Абстрактное искусство является концептуально новым и вызывающим большой интерес художественным языком, который представляет актуальную и перспективную сферу для создания иной системы эстетических представлений и нового понимания художественной ценности.

Тенденция к абстрагированию действовала в истории искусства всегда. Характерно, что уже в каменном веке существовало искусство предельно геометризированных символов, геометрическая орнаментация орудий и человеческого тела. Эта общая закономерность формообразования, присущая всем видам изобразительного искусства –преображение изображения в конструкцию, конкретного в абстрактное. Художественные приёмы, созданные мастерами абстрактной живописи, оказались чрезвычайно интересными и плодотворными для современной художественной культуры. Сегодня эти методы активно используются в декоративно-прикладном искусстве, дизайне, фотографии, компьютерной графике и других видах творческой деятельности человека. Как человек творческий я не могла не заинтересоваться темой Абстрактная композиция и начало проектирования.

Целью моей курсовой работы является формирование понимания неразрывной связи между абстрактной композицией и таким многогранным творческим процессом как проектирование и особенно дизайн- проектирование.

Для реализации цели были поставлены следующие задачи:

1.Проанализировать источники по теме

2.Проследить историю становления абстракционизма

3.Определить термины композиция, абстрагирование, абстракция

4.Рассмотреть понятия проект, проектирование, виды и методы

5.Установить влияние законов композиции на формирование объекта проектирования

6.Сделать логические заключения.

Глава 1

1.1 Возникновение и развитие абстрактной живописи

Абстрактная живопись представляет собой направление, отказавшееся от изображения в работах форм реальной действительности. Тенденция к абстрагированию была присуща в истории искусства всегда.

Зарождение абстрактной живописи связывают с тем, что художники стали «высвобождать» заложенные в самой природе живописи такие выразительные средства, как фактура, цвет, линия, пятно, выдвигая на первый план такой аспект, как зрительная конструкция – архитектоника произведения. До начала 20 века в изобразительному искусстве главную роль занимала классическая (академическая) живопись, но в самом конце 19 века в некоторых Европейских странах, в первую очередь во Франции и Германии, а потом уже и в России начали образовываться новые художественные течения, получившие название – модернизм^[1](от лат. «modern» - новый, современный). Направления, течения и школы модернистского изобразительного искусства возникали не зависимо друг от друга в разных странах. Они имели кроме многих различий одно общее – уход от академизма, реализма. Началом рождения абстракционизма многие считают 1910 г. когда В. В. Кандинский в Германии в Мюнхене выставил свое первое в истории искусства абстрактное произведение (акварель) и выпустил трактат «О духовном искусстве». В этом трактате он обосновывал свой инновационный метод открытий и науки того времени. Абстракционизм становится новым мощным движением, в рамках которого возникают разные направления. Часть художников перестаёт изображать реальные предметы, их перестаёт вдохновлять реальный мир. Большую роль в этом также сыграло бурное развитие фото искусства способное передать все нюансы модели намного лучше любого художника. Исходя из этого, мастера кисти были освобождены от некоторых задач, с которыми могла успешно справиться фотография. Художники абстракционисты строили свои композиции при помощи формальных элементов: линия, цветовое пятно и отвлеченная конфигурация формы. В течение десятилетий после первой работы В. В. Кандинского абстракционизма претерпевал разные изменения, активно внедрялись другие авангардные направления. В рамках абстракционизма были созданы не только картины, но и скульптуры и всевозможные инсталляции. Яркими представителями абстракционизма считаются: Кандинский, Малевич, Мондриан. Со времени у них появилось много последователей, каждый из которых вносил свою лепту в возникновение абстракционизма. Применялись новые техники нанесения красок, новые принципы создания композиций. Кандинский, обосновывая свои собственные художественные творения, обращался к теософским трудам Блаватской. Мондриан активно использовал в своих произведениях чистые линии и цвета. Малевич был создателем и ярым последователей теории супрематизма. В основе их метода рисования лежало стремление к «гармонизации», поиску определённых цветовых сочетаний и геометрические форм, целью которых было вызвать у зрителя разнообразные ассоциации. Супрематизм^[2] мыслится Малевичем как философия космологического порядка, способная проникнуть в тайны мироздания. Вместе с тем в стремлении создать культуру «единого человечества» Малевич уделяет внимание вопросу участия искусства в оформлении вещей при их чисто утилитарном происхождении. Эта обращенность как к «надличностному», так и к вещному миру определили две стороны концепции: одна сторона - это стремление понять предельные основы мира, а также некоторая прагматичность. Другая сторона обусловлена стремлением познать универсальные законы мира посредством творческой интуиции. Беспредметное искусство рассматривается в качестве метода «чистого познания», освобожденного от идеологического, религиозного или образного диктата и возведенного в онтологический статус духовной энергии «знаков-форм». Второй полюс предопределен интересом к жизненным реалиям и связан с поиском универсального способа гармонизации мира через его переустройство. Исходя из представления, что мир, сотворенный человеком, аналогичен миру природы, Малевич^[3] обращается к природе как образцу рационального устройства и источнику вселенского творческого начала.

После начала второй мировой войны центром абстракционизма стал США (Дж. Поллок, А. Горкин, В. Кунин, Фр. Клейн, М. Тоби, М. Ротко). Из Парижа в Нью-Йорк переехали многие художники. Важную роль в искусстве США сыграли художники из России. Можно сказать, что это период очередного переломного момента в искусстве, когда содержание, или концепция, стало важнее, чем само изображение на холсте, и положило начало новой эры в искусстве — постмодернизму. В 1960 году начался новый виток расцвета абстракционизма. Это направление в искусстве и сегодня остаётся востребованным и актуальным.

1.2 Направления в абстрактной живописи

В абстракционизме можно разграничить два четких течения - это геометрическая Абстракция, основанная на чётко очерченных конфигурациях, к нему можно отнести К. С. Малевича ,П. Мондриан и отчасти Р. Делоне и лирическая абстракция в которой композиция формируется из свободных, текущих форм, это работы Кандинского и мастеров объединения «Синий всадник». А также в абстракционизме^[4] можно выделить некоторые самостоятельные течения, такие как кубизм, лучизм, неопластицизм, орфизм, супрематизма, ташизм.

Первым художником в России, который осознанно и последовательно отказался от предметных изображений в живописи был В. В. Кандинский. Он стал родоначальником беспредметной живописи, предпочитая абстрактную живопись академизму.

Супрематизм – это отказ от изображения оболочки и использование простейших форм. Основоположником супрематизма был К.С. Малевич. Новый метод мастер назвал супрематизмом (от лат. Supremus – наивысший). Программным его произведением можно без раздумий назвать знаменитый «Чёрный квадрат».

«Дупло прошлого не может вместить гигантские постройки и бег нашей жизни. Как в нашей технической жизни мы не можем пользоваться теми кораблями, на которых ездили сарацины – так и в искусстве мы должны использовать формы, отвечающие современной жизни».

К.С.Малевич.

Стремление уйти от реальности привело его к увлечению космосом (он был одним из авторов известного спектакля «Победа над солнцем»). Космические композиции художник называл «планитами» и «архитектонами». Они, по мнению художника, символизировали идею всемирного динамизма.

Значение для всемирного искусства К. С. Малевича не ограничивается только картинами, как и многие его современники, он был ещё и философствующим художником.

В Голландии в 1912 году рождается одно из направлений абстрактной живописи–неопластицизм. Основоположники неопластицизма были: П. К. Мондриан и Т. Ван Дусбург. Группа «Де Стейл» была основана в 1917 году и под тем же именем журнал, выпускавшийся до1922 года. Участники этой группы полностью изгоняли «человеческое начало» из своего искусстваи создавали полотна с расчерченными сетками линий и поверхностно изображали прямоугольные ячейки, которые заполнялись чистым однородным цветом. По мнению П.К. Мондриан – это выражало идею чистой пластической красоты. Его цель была создать живопись «лишенную индивидуальности» и в силу этого, обладающую мировым значением.

В России в 1918-20 годах возник основанный на идеях супрематизма конструктивизм, объединивший графиков Эль Лисицкого, А. М. Родченко и скульпторов К. С. Мельников, А. А. Веснина и других. Концепцию направления изложил А. А. Веснин: «Вещи, создаваемые современным художником, должны быть чистыми конструкциями без балласта изобразительности». Одну из важных ролей в становлении конструктивизма сыграл «Баухауз»- художественное объединение, которое было основано в 1919 году в Германии архитектором В.Гроплусом (П. Клее, В. В. Кандинский, Эль Лисицкий и др.).

Особенно радикальным направлением абстрактного искусства был ташизм (от фр. Tache – пятно). Ташисты не использовали в своей живописи кисти. Они разбрызгивали, выплескивали краски на холст и затем растирали их по поверхности. Яркими представителями ташизма можно назвать: Вольфганг Шульце, Жорж Матьё ,Ханс Хартунг, Пьер Сулаж, Жан Базен, Антонио Саура, Эмилио Ведова, Асгер ,Пьер Алешинский, Анатолий Зверев, Евгений Михнов-Войтенко, Серж Поляков, Андрей Михайлович Ланской, Лидия Мастеркова.

    Жорж Матьё был знаменитым представителем ташизма в Европе, приблизивший технику ташизма к спектаклю. Он проводил сеансы живописи в присутствии публики, на их глазах он писал на холстах закорючки, запятые и точки. Во время своих шоу он был облачён в средневековый костюм, что вызывало некоторую театральность его сеансам живописи.

Кубизм (от Фр. Cubusme) – это одно из модернистского направления в изобразительном искусстве, прежде всего в живописи. Цель кубистов – разложить изображаемый трёхмерный объект на простые элементы и на холсте изобразить его в двухмерном пространстве. Работы кубистов всегда легко узнать благодаря их плоскостному решению с визуальным анализом цветовой среды и простейшей линейной перспективой. В этом направлении одним из самых значимых художников является Ж. Брак. Он изображали в своих работах один и тот же предмет с нескольких ракурсов одновременно. «Я не художник – революционер. Я не ищу исступления. Прорыва мне достаточно. Я люблю правило, которое умеряет эмоцию» - утверждал Ж. Брак.

Орфизм^[5] (франц. Orphisme от Orphee Орфей) – течение в западноевропейской живописи, основанное в 1910 году близкое к кубизму и футуризму. Орфисты (Р. Делоне, Ф. Купка, Ф. Пикабия, М. Дюшан) стремились выразить динамику и музыкальность ритма пересечением плоскостей. Черты характерные орфизму – концентрические круги и диски контрастный цветов создающий у зрителя ощущение движения и ритма. Название этому виду живописи было дано в 1912 г. Аполлинером. Орфизм связан с кубизмом, но вместе с тем обнаружил близость и к другим модернистским течениям - футуризму и экспрессионизму. Термин «орфизм» был изобретен Аполлинером (орфизм как культ Орфея) и впервые в октябре 1912 года публично заявлен во время лекции посвященной современной живописи.
Аполлинер и сам не мог понять возникшего нового направления. Всё произошло из-за путаницы, царящей и поныне, произошло это из-за того, что Аполлинер неосознанно спутал две взаимосвязанные проблемы. Ему следовало выявить их различия, прежде чем пытаться соединить их. С одной стороны создание Делоне живописных средств было полностью основано на цвете Термин "орфизм" впервые появилось в статье Аполлинера "Die moderne Malerei» в журнале Der Sturm в феврале 1913. Это и было начало путаницы. В начале своей статьи Аполлинер подчёркивает то, что две новые живописные тенденции, показавшиеся ему наиболее важными, это с одной стороны кубизм Пикассо, а с другой - орфизм Делоне. Это эстетическое суждение может казаться спорным, но оно и в сегодняшней реальности остается совершенно резонным и обоснованным. К сожалению, Аполлинер после этого приводит список художников испытавших на себе влияние этих двух мастеров Пикассо и Делоне. Путаница наблюдалась и в дальнейшем тоже и в списке последователей Пикассо (Брак Метсенже, ГлезГрис и Мари Лорансен) и в списке последователей Делоне - это плод чистой фантазии, поскольку в него включены одновременно Леже Пикабиа, Мари Лорансен, Марсель Дюшан и в Германии - Кандинский,^[6] Марк Мейднер, МаккеЯвленский, Мюнтер и Фрейндлих не говоря уже об итальянских футуристах, оказавшихся последователями художника, которого они резко отвергали. В книге "Художники-кубисты" (Париж 1913 г.) он окончательно и бесповоротно уже причисляет к орфистам Пикассо, Делоне, Леже, Пикабиа, Дюшана, а также Пьера Дюмона и Анри Валанси. В ноябре 1913 г., подводя итоги первого Осеннего салона в Берлине ("Soireesde Paris") он говорит в заключение о Делоне и его жене, затем воздает должное ,Леже Метсенже Пикабиаи итальянским футуристам и заканчивает таким неожиданным образом: "...это историческая выставка и если орфизм впервые появился в Салоне независимых, то здесь мы стали свидетелями первого Салона орфизма". 
На самом деле этот термин, обозначавший сначала только живопись Делоне распространился, благодаря Аполлинеру на весь авангард, кроме ортодоксального кубизма Пикассо. Потому-то все и воспринимали Делоне как лидера этого нового направления.