Файл: МОНУМЕНТАЛЬНАЯ ЖИВОПИСЬ И КАРТИНА В ТВОРЧЕСТВЕ ЛЕОНАРДО ДА ВИНЧИ (билет 17).pdf

тондо применялась и в кватроченто, но там она использовалась иначе: либо композиция строилась без должного 

использования возможностей картины круглых очертаний (как это было в «Мадонне с младенцем» Филиппо Липпи в  
галлерее Питти), либо, напротив, очертания картины подчиняли себе естественность группировки фигур, несколько  

подчеркнуто   выделяя   эффекты   линейного   ритма   (что   можно   видеть   на   примере   некоторых   работ   Боттичелли).   В  
отличие   от   мастеров   15   в.   в   картине   молодого   Рафаэля   наметились   новые   качества,   когда   гармоническое 

композиционное   построение   не   сковывает   образы,   а,   напротив,   воспринимается   как   необходимое   условие   того 
ощущения естественности и свободы, которое они порождают. 

В еще более высокой мере эти качества сказались в лучшем из его ранних произведений — в «Обручении Марии» 

(1504; Милан, Брера), завершающем собой умбрийский период его творчества. В отличие от рассмотренных выше 
работ камерного характера это уже более внушительный алтарный образ. Правда, размеры его не так уж велики  

(высота   169   см),   но   весь   его   замысел   и   композиционный   строй   соответствуют   характеру   монументального  
изображения. Если в прежних своих работах Рафаэль скорее преобразует прежние мотивы, нежели создает новые, то 

миланское   «Обручение»   —   хотя   его   композиционное   решение   перекликается   в   отдельных   моментах   с   фреской 
Перуджино «Передача ключей» в Сикстинской капелле — производит впечатление полной новизны.

Рафаэль. Обручение Марии. 1504 г. Милан, галлерея Брера.
Само действие происходит не в храме, а перед ним, под солнечным голубым небом. Еще 

не отдавши себе полного отчета в содержании композиции, зритель уже в плену ясной 
упорядоченности   рафаэлевской   картины.   На   первом   плане   представлена   сцена 

обручения. В центре изображен первосвященник, который сближает руки стоящих по 
сторонам его Марии и Иосифа, надевающего ей на палец кольцо. Слева за Марией — 

группа   девушек,   справа   за   Иосифом   —   группа   женихов   с   непроцветшими   жезлами. 
Перспективно сокращающиеся линии выложенной плитами площадки увлекают взгляд 

зрителя к поставленному на ступенчатом возвышении круглому храму, который как бы 
увенчивает собой всю картину, великолепно согласуясь с полукруглым обрамлением ее 

верхней части. 

Образы   картины   необыкновенно   привлекательны   в   своем   простом   и   естественном 
изяществе. Свободные повороты, легкие и гибкие движения — например, у юноши на 

первом   плане   справа,   ломающего   свой   жезл   о   колено,—   свидетельствуют   об 
окончательном   освобождении   мастера   от   кватрочептистской   скованности.   Рафаэль 

обрел   здесь   ту   красноречивую   выразительность   жестов   и   движений,   ту   певучесть 
линий,   которые   станут   отныне   характерной   особенностью   его   образов.   Чувство 

внутренней   близости   между-Иосифом   и   Марией   передано   с   необычайной,   почти 
музыкальной выразительностью в линиях их сближающихся рук. И эта музыкальность 

во всем — в композиционной симметрии картины, которая лишена, однако, малейшего 

оттенка навязчивости и схематизма, в ее общей ритмике, вплоть до Звучания архитектурных форм. Изображенный в 

картине  храм  с  окружающим  его легким портиком, который  изящно  переходит  в высокий  многогранный  барабан, 
перекрытый   легким   куполом,   представляет   своеобразную   реализацию   носившейся   в   то   время   в   воздухе   идеи 

центрического купольного сооружения. Но этот архитектурный мотив прекрасен не только сам по себе — чистота его 
линий, красота пропорций, общий его гармонический облик воспринимаются нами как концентрированное выражение 

того чувства светлой красоты, которое пронизывает всю картину. Образы изобразительного искусства здесь словно 
трансформируются в адекватные им образы архитектуры. 

В «Обручении Марии» очень наглядно проявилось самое, быть может, сильное качество рафаэлевского дарования 

—   его   мастерство   художественной   организации   всех   элементов   картины.   Особенность   эта   неразрывно   связана   с 
присущим Рафаэлю обостренным чувством ритма, который сказывается не только в его гибких линиях, но и во всем 

композиционном мышлении, в соотношении масс, в пространственных интервалах и паузах, во взаимодействии фигур 
и их реального окружения. Именно благодаря присущей рафаэлевским произведениям внутренней «размерности» — 

свойству, в столь ярком выражении характерному скорее для зодчего, нежели для живописна,— мастеру удается так 
органично включать в свои композиции архитектурные мотивы. Чувство ритмической организации распространяется  

даже на самую живопись «Обручения». Его светлый праздничный колорит построен на равномерном согласовании  
трех основных красочных тонов — золотистого, красного и зеленого; повторяясь в костюмах, архитектуре и пейзаже, 

они образуют прекрасное созвучие с легким тоном голубого неба. 

Творческий прогресс Рафаэля был настолько быстрым, что мастерская Перуджино вскоре стала для него слишком 
тесной. В 1504 г. молодой живописец перебрался во Флоренцию. Художественная атмосфера Флоренции в эти годы 

была насыщена новыми веяниями. То было время первых великих созданий Микеланджело и его соперничества с  
Леонардо   в   работе   над   батальными   композициями   для   Зала   Совета;   именно   в   этот   период   принципы   искусства 

Высокого Возрождения начали свое распространение среди все более широкого круга художников. 

В этой обстановке мужает и крепнет дарование Рафаэля. Он с увлечением изучает создания флорентийских мастеров,  
в   особенности   Леонардо   и   Микеланджело.   С   присущей   ему   отзывчивостью   впитывает   Рафаэль   лучшие   качества 

флорентийской   школы   этого   периода   —   ее   более   крупный   стиль,   ярко   выраженное   пластическое   начало,   более 
широкий   охват   действительности,   в   сравнении   с  которым   направленность  умбрийской   школы  выглядела  слишком 

однолинейной. 

Новые впечатления сказались уже в портретах флорентийского мецената Анджело Дони и его жены (ок. 1505 г., оба в 
галлерее  Питти).   Более   удачен  из  них  портрет   самого   Дони,   простой,  лишенный   идеализации,   но   в  то   же   время 

дающий четкую характеристику человека, за спокойной собранностью которого проглядывает воля и решительность.

Рафаэль. Мадонна в зелени. 1505 г. Вена,

Во Флоренции  Рафаэль создал  цикл  «Мадонн»,  свидетельствующий о  наступлении  нового 
этапа в его творчестве. Принадлежащие к наиболее известным из них «Мадонна в зелени» 

(Вена,   Музей),  «Мадонна   с   щегленком»  (Уффици)   и  «Мадонна-садовница»  (Лувр) 
представляют собой своего рода варианты общего мотива — изображения молодой красивой 

матери с младенцем Христом и маленьким Иоанном Крестителем на фоне пейзажа. Это также 
варианты   одной   темы—темы   материнской   любви,   светлой   и   безмятежной.   Во   всех   трех 

картинах   фигуры   группируются   в   восходящую   к   Леонардо,   пирамидальную   композицию; 
плавность   контуров   и   пластика   объемов   составляют   основу   их   изобразительного   языка. 

Мягкий   лиризм   этих   образов   усиливается   уже   испытанным   у   Рафаэля   мотивом   — 
развернутым   пейзажным   фоном.   Лучшая   из   названных   работ   —   венская  «Мадонна   в 

зелени»,  которая выделяется красотой идеального типа Марии, плавностью параболических контуров ее фигуры. 
Что   касается  «Мадонны   с   щегленком»  и   луврской  «Садовницы»,  то   в   них   появляется   тот   оттенок   наивной 

сентиментальности   и   внешней   красивости,   который   в   последующие   века   привлек   к   Рафаэлю   многих  почитателей 
академического толка, но который отнюдь не является сильной стороной художника, в лучших своих произведениях 

свободного от этого недостатка. Нужно также сказать, что в овладении языком флорентийских живописцев Рафаэль 
иногда усваивал не только их достоинства, но и ограниченные стороны, и в частности характерное для многих из них  

отсутствие подлинного колористического видения. Разумеется, нет необходимости требовать от Рафаэля (как и от 
флорентийцев) преимущественного выделения цвета в качестве главного Элемента изобразительного языка — это 

оказалось бы в непримиримом противоречии с их изобразительной системой. Но нужно иметь при этом в виду, что  
Рафаэль обладал от природы колористическим даром, и если в венской «Мадонне» он дал пример умеренного, но  

тонкого   использования   колорита   в   рамках   флорентийской   образной   системы,   то   в  «Мадонне   с   щегленком»  и 
«Мадонне-садовнице»  появляется   равнодушие   к   цвету,   отрицательно   сказывающееся   на   художественных 

достоинствах обеих картин. 

Во Флоренции же Рафаэль продолжил свои поиски в области крупной торжественной алтарной композиции, используя 
достижения флорентийских мастеров. В этом отношении кроме Леонардо он был немалым обязан фра Бартоломео. 

Образцом произведений Рафаэля такого рода может служить монументальная «Мадонна с Иоанном Крестителем и 

св. Николаем» (так называемая «Мадонна Ансидеи»,). 

Наконец,   в  «Положении   во   гроб»  ,   крупной   многофигурной   композиции, 
Рафаэль   поставил   перед   собой   более   трудную   задачу   —  сравниться   с  великими 

флорентийцами—   Леонардо   и   Микеланджело   —   в   глубоком   драматическом 
истолковании   темы.   Отдельные   драматические   и   пластические   мотивы   в   этой 

картине непосредственно восходят к Микеланджело: голова и тело Христа — к его 
скульптурной группе «Пьета» (Рим), фигура женщины, поддерживающей упавшую 

в обморок Марию,— к его же «Мадонне Дони» (Уффици). Но «Положение во гроб» 
не   стало   подлинной   удачей   Рафаэля   —  его   дарование   пока   что   не   созрело   для 

решения столь сложного замысла. 

В целом, однако, успехи Рафаэля во Флоренции были настолько значительными, 
что сделали его имя широко известным. В 1508 г. он благодаря протекции своего 

земляка,   великого   архитектора   Браманте,   был   приглашен   к   папскому   двору   и 
выехал в Рим. 

Рафаэль. «Мадонна с младенцем и Иоанном Крестителем» 

В   то   время   папский   престол   занимал   Юлий   II,   человек   неукротимой   энергии, 
вспыльчивый и своенравный. Приумножив с помощью военных захватов земельные 

владения  Папской  области,  он  внес  свойственный  ему  размах  и  в  художественную 
политику   Рима.   При   нем   в   Рим   были   призваны   лучшие   мастера,   и   город   начал 

украшаться монументальными памятниками зодчества, произведениями живописи и 
скульптуры.   Браманте   начал   постройку   собора   св.   Петра;   Микеланджело,   до   того 

занятый   работой   над   проектом   гробницы   Юлия   II,   приступил   к   росписи   потолка  
Сикстинской   капеллы.   Вокруг   папского   двора   группировались   поэты   и   ученые-

гуманисты.   В   этой   атмосфере   творческого   созидания,   в   общении   с   выдающимися 
представителями культуры творчество Рафаэля вступило в фазу своего высочайшего 

подъема. 

Рафаэлю  были  поручены  росписи   апартаментов  папы  — так  называемых  станц  (то 
есть   комнат),   которые   включают   три   помещения   во   втором   этаже   Ватиканского 

дворца и смежный с ними зал. Росписи станц выполнялись Рафаэлем совместно с учениками с 1509 по 
1517   г.   (роспись   зала   произведена   после   смерти   мастера).   Лучшие   из   ватиканских   фресок   Рафаэля  

принадлежат   к   величайшим   созданиям   ренессансного   искусства.   Они   дают   также   возможность 
проследить основные закономерности эволюции творчества Рафаэля и искусства этого периода в целом. 

Ватиканские станцы — это сравнительно некрупные помещения, перекрытые парусными сводами; длина 

их по продольной стороне составляет около 9 м, по поперечной — около 6 м. Каждая стена, очерченная 
полуциркульной   аркой,   образует   подобие   полукруглого   люнета,   который   целиком   —   если   не   считать 

декоративной панели, отделяющей его от пола, заполнен фресковой композицией. 

Трудно найти в истории искусств какой-либо другой художественный ансамбль, который производил бы впечатление  

такой образной насыщенности в плане идейном и изобразительно-декоративном, как ватиканские станцы Рафаэля. 
Стены,   покрытые   многофигурными   фресками,   сводчатые   потолки   с   богатейшим   декором   из   стука   и   позолоты,   с 

фресковыми и мозаичными вставками, пол красивого узора —все это могло бы создать впечатление перегруженности, 
если   бы   не   присущая   общему   замыслу   Рафаэля   высокая   упорядоченность,   которая   вносит   в   этот   сложный 

художественный комплекс необходимую ясность и обозримость. Укрупнился масштаб фресок: вместо характерного 
для   15   в.   дробного   расположения   множества   самостоятельных   сцен   в   несколько   ярусов   каждая   стена   здесь 

представляет   собой   отдельную   композицию.   Кроме   того,   в   каждой   фреске   четко   проведен   принцип   строго 
централизованной компоновки. Наконец, размеры фресок и осуществленные в них масштабные отношения фигур и 

пространства соотнесены с реальным архитектурным пространством самих станц. 

Общая идейная программа фресковых циклов в станцах, по замыслу заказчиков, должна была служить прославлению  
авторитета католической церкви и ее главы — римского первосвященника. Наряду с аллегорическими и библейскими  

образами   в   отдельных   фресках   запечатлены   эпизоды   из   истории   папства,   в   некоторые   композиции   введены 
портретные   изображения   Юлия   II   и   его   преемника   Льва   X.   Часто   сам   выбор   сюжетов   фресок   носит   в   себе 

определенное иносказание. Но образное содержание рафаэлевских композиций не только шире этой официальной 
программы,   но   по   существу   своему   противоречит   ей,   выражая   идеи   общечеловеческого   гуманистического 

содержания. 

В этом отношении показателен общий замысел первой из расписанных Рафаэлем станц — так называемой Станцы 
делла   Сеньятура   (что   в   переводе   означает   комната   подписи   —   здесь   скреплялись   печатью   папские   указы).   По-

видимому, в составлении программы ее росписи участвовал кто-либо из группировавшихся вокруг папского двора 
представителей гуманистической мысли.  Тема росписи — четыре области духовной деятельности человека: 

богословие   представляет   фреска   «Диспута»,   философию—«Афинская   школа»,   поэзию—«Парнас», 
правосудие — «Мудрость, Умеренность и Сила». На своде над каждой фреской помещена в круглом обрамлении 

аллегорическая   фигура,   символизирующая   каждый   из   этих   видов   деятельности,   а   в   угловых   частях   свода   — 
небольшие композиции, также связанные по своей тематике с содержанием соответствующих фресок. 

Таким образом, подобно тому как на смежных стенах христианская троица и отцы церкви в «Диспуте» соседствуют с 

языческими   :богами   и   поэтами   «Парнаса»,   так   и   в   композициях   свода   библейское   «Грехопадение»   соотнесено   с 
«Победой Аполлона над Марсием». Уже сам факт объединения в рамках общего художественного замысла образов 

христианской   религии   и   языческой   мифологии   служит   прекрасным   примером   истинного   отношения   людей   того 
времени к вопросам религиозной догмы, тем более что замысел этот оказался осуществленным в резиденции самого  

папы. Такое объединение стало возможным только потому, что сами образы христианского культа у ренессансных  
художников приобрели качества, во многом противоположные  культовой догматике. Если официальная  программа 

Станцы делла Сеньятура явилась отражением идей примирения христианской религии с античной культурой, которые  
были   распространены   среди   склонных   к   компромиссу   ученых-гуманистов   того   времени,   то   художественная 

реализация этой программы во фресках Рафаэля стала свидетельством безусловной победы светского начала над 
началом церковным. 

Более всего культовые мотивы сказались в первой из выполненных Рафаэлем фресок — так называемой «Диспуте»,

— которая изображает беседу о таинстве причастия. Сам символ причастия — гостия (облатка) установлена на алтаре 
в   центре   композиции.   Действие   происходит   в   двух   планах   —   на   земле   и   на   небесах.   Внизу,   на   ступенчатом 

возвышении, расположились по обе стороны от алтаря отцы церкви, папы, прелаты, священнослужители, старцы и 
юноши.   Их   фигуры   даны   в   живых   пластически   законченных   поворотах   и   движениях;   глаз   сразу   охватывает   их 

выразительные силуэты. Среди прочих участников здесь можно узнать Данте, Савонаролу, благочестивого монаха-
живописца   фра   Беато   Анджелико.   Над   всей   массой   фигур   в   нижней   части   фрески,   подобно   небесному   видению, 

возникает олицетворение троицы: бог-отец, ниже его, в ореоле золотых лучей,— Христос с богоматерью и Иоанном 
Крестителем, еще ниже, как бы отмечая геометрический центр фрески,— голубь в сфере, символ святого духа, а по  

сторонам   на   парящих   облаках   восседают   апостолы.   И   все   это   огромное   число   фигур   при   столь   сложном 
композиционном замысле распределено с таким искусством, что фреска оставляет впечатление изумительной ясности 

и красоты. 

Рафаэлевский   дар   организации   развернулся   здесь   во   всей   всей   силе.   Несмотря   на   подчеркнутую   симметрию, 
композиция   фрески   отнюдь   не   производит   впечатления   абстрактного   схематизма:   фигуры   в   нижней   ее   части 

размещены   так   естественно   и   свободно,   что   смягчают   строгую   упорядоченность   верхней   части.   Как   ведущий 
композиционный   мотив   сквозь   всю   фреску   проходит   тема   взаимосвязанных   огромных   полукружий,   по   которым 

фигуры располагаются в пространстве. Это живо,й, уходящий 
в глубину полукруг свободно размещенных фигур в нижней 

части   фрески   и   словно   его   идеальное   отражение   —   более 
правильное   полукружие   апостолов   на   облаках,   с   которым 

замечательное   по   красоте   сочетание   образует 
полуциркульная   арка   люнета,   охватывающая   всю 

композицию.
Рафаэль.   Афинская   школа.   Фреска   Станцы   делла 

Сеньятура. 1509-1511 гг
Но   лучшей   фреской   станц   и   величайшим   произведением 

Рафаэля   вообще   следует   признать  «Афинскую   школу». 
Композиция   эта   —   одно   из   самых   ярких   свидетельств 

торжества в ренессансном искусстве гуманистических идей и 

их   глубоких   связей   с   античной   культурой.   В   грандиозной   анфиладе   величественных   арочных   пролетов   Рафаэль 

представил   собрание   античных   мыслителей   и   ученых.   В   центре,   среди   персонажей,   группирующихся   у   мощных  
арочных устоев, в нишах которых помещены статуи Аполлона и Минервы, изображены Платон и Аристотель. Их жесты 

— первый указывает на небо, второй простирает руку к земле — дают представление о характере их учения. Слева от 
Платона — Сократ, беседующий со слушателями, среди которых выделяется молодой Алкивиад в панцире и шлеме. 

Прямо   на   ступенях,   словно   нищий   у   лестницы   храма,   непринужденно   расположился   основатель   школы   циников 

Диоген. Внизу на первом плане — две симметрично размещенные группы: слева — 

склонившийся   на   колено   с  книгой   в   руках   Пифагор  с  учениками;   справа,   тоже   в 
окружении   учеников,   гибких   прекрасных   юношей,—Эвклид   (или   Архимед);   низко 

нагнувшись, он чертит циркулем на лежащей на полу грифельной доске. Правее этой 
группы — Зороастр и Птолемей (в короне), каждый из них держит в руке сферу. У 

самого края фрески Рафаэль изобразил самого себя и живописца Содому, начавшего 
до него работу в этой станце. На первом плане, чуть смещенным от центра влево 

представлен сидящим в глубокой задумчивости Гераклит Эфесский. 
Рафаэль. «Афинская школа». Фреска в Станца делла Сеньятура в Ватикане. 

1509—11. Фрагмент.

Рафаэль. Фрески «Парнас» и «Афинская школа» в Станца делла 
Сеньятура в Ватикане. 1509—11.

Фигуры   в  «Афинской   школе»  крупнее,   чем   в  «Диспуте»,  и   вся 

фреска   в   целом   выглядит   монументальнее.   Особую   выпуклость 
приобрели   характеристики   действующих   лиц.   Платон   и   Аристотель 

оказались   духовным   средоточием   этого   собрания   не   только   благодаря 
своему центральному положению в композиции, но и значительностью 

образов. В их осанке, в походке разлито поистине царственное величие, 
так   же   как   на   лицах   их   мы   ощущаем   печать   великой   мысли.   Это 

наиболее   идеальные   образы   фрески;   недаром   прототипом   Платона   в 
рафаэлевской композиции явился человек столь незаурядного внешнего 

облика, как Леонардо да Винчи. Облик некоторых других философов и 
ученых в большей мере наделен чертами жизненной характерности. Так, 

в   образе   Эвклида,   занятого   решением   какой-то   геометрической 
проблемы, изображен архитектор Браманте с его мощным, увеличенным 

лысиной   лбом.   Великолепен   по   своей   лаконичной   выразительности   образ   стоика   Зенона,   помещенного   вверху   в 
правой части фрески: уже в одном силуэте его закутанной в темный плащ фигуры, отделенной интервалами от других 

персонажей, передано ощущение его духовного одиночества. II наконец, захватывающий своей поэтической силой 
образ   Гераклита,   вдохновленный   пророками   Микеланджело   с   плафона   Сикстинской   капеллы.   По   предположению 

некоторых исследователей, в сумрачном Гераклите Рафаэль запечатлел облик самого Микеланджело. 

Но как ни выразительна индивидуальная обрисовка героев, не менее важно то, что характерная для  «Афинской 

школы»  общая   атмосфера   высокого   духовного   подъема   выражена   во   всем 

изобразительном строе фрески. 
«ДИСПУТ ФРАГМЕНТ»

Важную   роль   в   достижении   этого   впечатления   играет   характер   среды   окружающей 
участников   сцены.   Если   в  «Диспуте»  в   симметрии   и   геометрической   правильности   ее 

верхней части есть оттенок как бы предустановленной свыше гармонии, то реальная среда 
«Афинской школы» —величественная архитектура — воспринимается как деяние разума и 

рук   человеческих,   как   реализация   его   высокой   творческой   мысли.   В   то   время   как   в 
персонажах «Диспуты» присутствует — в соответствии с ее идеей — оттенок благоговейного 

созерцания   перед   лицом   высшей   истины,   героям   «Афинской   школы»   присуща   особая 
внутренняя   активность,   повышенная   духовная   энергия.   Зрителя   захватывает   чувство 

безраздельной мощи человеческого разума, объемлющего весь мир. 

Выразительность отдельных   образов  и  групп  в  «Афинской   школе»  усилена композиционными  средствами.  Так, 
несмотря на то, что Платон и Аристотель изображены на втором плане, среди множества других участников сцены,  

Рафаэль достиг их четкого выделения благодаря тому, что наиболее удаленная из арок величественной анфилады 
охватывает только две эти фигуры. Но еще более важно, что оба они изображены не стоящими на месте, а идущими 

вперед,   прямо   на   зрителя.   Их   торжественная   поступь,   словно   неразрывно   связанная   с   движением   могучих 
архитектурных масс и арочных пролетов, не только придает главным героям фрески функции динамического центра  

композиции, но и сообщает им повышенную силу образного воздействия. Начавшееся из глубины, это движение как  
бы   разрешается   в   плоскости,   распространяясь   вширь   и   гармонически   завершаясь   мощным   арочным   охватом 

полукруглого обрамления фрески. 

Высказано   предположение,   что   архитектурный   фон  «Афинской   школы»  навеян   проектом   собора   св.   Петра, 
который в то время разрабатывал Браманте. Вне зависимости от того, восходит ли замысел фона к Браманте или 

принадлежит   самому   Рафаэлю,   перед   нами   —   самый   классический   из   всех   образов   монументального   зодчества 
Ренессанса, наиболее чистое выражение самого духа Высокого Возрождения, к сожалению, в таких масштабах не 

получившее практической реализации в архитектуре того времени. Что касается колорита «Афинской школы», то в 
соответствии   с   характером   образов   и   преобладанием   линейно-пластических   средств   выразительности   собственно 

предметные качества цвета и его самостоятельная выразительность отступают в этой фреске на второй план. 

Следующая за Станцей делла Сеньятура Станца д'Элиодоро расписана Рафаэлем за 1511—1514 гг. Тематика ее 
фресок включает эпизоды религиозных легенд и истории папства, связанные с чудесным вмешательством божества. 

Свое   название   эта   станца   получила   по   ее   главной   фреске  «Изгнание   Элиодора»,  в   основу   которой   положен 
рассказ   о   сирийском   военачальнике   Элиодоре   пытавшемся   разграбить   Иерусалимский   храм   и   изгнанном   оттуда 

небесным всадником. В этом сюжете содержался намек на изгнание французских войск из Папской области. В целом  
данная   композиция   при   всех   своих   достоинствах   не   обладает   захватывающей   силой   предшествующих   фресок 

Рафаэля. Отчасти это, быть может, связано с тем, что Рафаэль не достиг здесь характерной для него концентрации 
действия,   '   и   композиция   распадается   на   два   слабо   связанных   эпизода.   Справа   —   чудесный   всадник   в   золотых 

доспехах и два ангела с прутьями в руках повергают Элиодора наземь, слева, на фоне группы женщин и детей,  
представлен   на   носилках   папа   Юлий   II,   как   бы   созерцающий   это   зрелище   (в   числе   поддерживающих   носилки 

изображен   великий   немецкий   художник   Альбрехт   Дюрер).   Кроме   того,   сложившийся   в   предшествовавших 
композициях станц стиль Рафаэля, видимо, не способствовал воплощению эпизодов драматического характера — для  

этого были необходимы другие средства, как это показал сам Рафаэль в других фресках той же станцы. 
Рафаэль. «Месса в Больсене». 1512. Фреска «Станца д'Элиодоре» в папском дворце в Ватикане

И действительно, фрески, помещенные на ее поперечных стенах, свидетельствуют о некоторых изменениях в стиле 
рафаэлевской   монументальной   живописи.   В   более   ранней   из   них—«Мессе   в   Больсене»—изображена   история   о 

неверующем священнике, в руках которого облатка для причастия обагрилась во время 
богослужения   кровью.   В   качестве   свидетелей   чуда   Рафаэль   представил 

коленопреклоненного папу Юлия II, за которым располагаются кардиналы, а еще ниже, 
тоже на коленях, швейцарцы из папской стражи. 

И в этой фреске Рафаэль показал свое блестящее композиционное искусство. Но главное в 

ней то, что на смену идеальным образам пришли образы; обладающие большей степенью 
жизненной реальности. Недаром самая интересная  часть  фрески — это одетые в яркие 

костюмы швейцарские гвардейцы, великолепные головы которых полны силы и характера. 
Поэтому также портретное изображение Юлия II в эту композицию входит несравненно 

органичнее,   чем   в   «Изгнании   Элиодора».   И   соответственно   с   усилением   во   фреске 
конкретного   начала   претерпевает   изменения   ее   художественный   язык.   Линейно-

пластические   средства   уступают   свое   преобладание   средствам   колористическим.   Цвет 

здесь — особенно в группе швейцарцев — насыщенный, полнозвучный, обладающий особой материальностью

.

Рафаэль. Изведение апостола Петра из темницы. Фреска Станцы д'Элиодоро

Еще более сильное впечатление производит «Изведение Петра» — фреска на 
противоположной   стене,   где  изображено   чудесное  освобождение   ангелом   из 

темницы апостола Петра (намек на освобождение папы Льва Хиз французского 
плена   в   бытность   его   папским   легатом).   Новое   здесь   в   захватывающем 

драматическом   настроении,   достигнутом   смелым   применением   ночного 
освещения.   Освещение   это   господствует   во   всех   трех   частях,   на   которые 

делится фреска. Каждая из этих частей представляет собой самостоятельный 
композиционно законченный эпизод, и в то же время все вместе они образуют 

единый   и   опять-таки   композиционно   цельный   образ.   В   центральной   части 
сквозь   целиком   забранный   решеткой   арочный   проем   мы   видим   в   темнице 

спящего   апостола   Петра   в   цепях,   над   которым   склонился   ангел   в   сияющем 
ореоле. Блики света горят на латах воинов, и сами воины кажутся не столько 

спящими,   сколько   ослепленными.   В  правой   части   фрески   представлено,   как 
ангел   выводит   Петра   из   темницы,   в   левой   —   в   неровном   свете   факела   и 

полускрытой   облаками   луны   —   возникшая   среди   стражи   тревога.   «Изведение   Петра»—одна   из   наиболее 
синтетических   фресок   Рафаэля   в   смысле   блестящего   использования   в   ней   всех   средств   художественной 

выразительности. Необычайно эмоционально звучит здесь архитектура — массивная кладка арочных устоев темницы 
и искусно обыгранный мотив решетки; сами действующие лица — Петр, ангел, закованные в сталь воины,— сохраняя  

монументальную   выразительность   прежних   образов   Рафаэля,   в   то   же   время   овеяны   глубоким   драматическим 
чувством. И хотя ночное освещение должно было, казалось бы, содействовать монохромному красочному решению, 

может   быть,   привести   даже   к   обеднению   цвета,—  «Изведение   Петра»  оказалось   самой   сильной   и   тонкой   по 
колориту из ватиканских фресок Рафаэля. 

Четвертая композиция в Станце д'Элиодоро — «Встреча папы Льва I с Аттилой», так же как и фрески  

следующей станцы— Станцы дель Инчендио (пожара), созданные в 1514—1517 гг., исполнялись уже не самим 
Рафаэлем, а осуществлялись по его эскизам его учениками, преимущественно Джулио Романе и Франче-ско Пенни. К  

этому   времени   художественный   успех   Рафаэля   в   римских   кругах   был   настолько   велик,   что   он   был   перегружен 
заказами, из которых далеко не все мог выполнять собственноручно. К тому же его отвлекали обязанности главного 

архитектора собора св. Петра и археологические изыскания, так как он должен был осуществлять наблюдение над 
всеми раскопками в Риме и его окрестностях. 

Фрески Станцы дель Инчендио  — темы их взяты из истории папства — сильно уступают его предшествующим 

росписям в Ватикане. Наиболее интересна из них композиция «Пожар в Борго», по имени которой названа эта станца. 
Она изображает пожар, который произошел в 847 г. в римском квартале, примыкавшем к папскому дворцу, и был 

чудесно   остановлен   вмешательством   папы   Льва  IV.  В  представленных   на  первом   плане   фигурах   спасающихся   от 
пожара   людей   —   сына,   несущего   на   плечах   престарелого   отца,   юноши,   соскальзывающего   со   стены,   девушки, 

несущей на голове кувшин (к данной фигуре сохранился эффектный рисунок, приписываемый теперь Джулио Романо)