Файл: Синельникова_Муз. форма. от 15.01.14.doc

Синфония – то же, что итальянская оперная увертюра. См. Увертюра. Синфониями назвал свои трехголосные инвенции И.С. Бах.

Скерцо (итал. scherzo, «шутка»). С середины XVIII в. это слово встречается в названиях инструментальных или вокальных пьес шутливого характера (К. Монтеверди). После 1750 г. скерцо становится исключительно инструментальным жанром, для которого характерны быстрый темп и, как правило, трехдольный размер. В это время скерцо встречается главным образом как часть сонатного цикла (симфонии, квартета). Особое значение приобретает скерцо в симфониях Бетховена (начиная со Второй), где оно окончательно вытесняет находившийся ранее на этом месте менуэт. В скерцо обычно сохраняется трехчастная форма, унаследованная им от менуэта (скерцо – трио – скерцо); иногда могут появляться и несколько трио (например, во Второй симфонии Брамса). В творчестве Шопена, Брамса и других композиторов той же эпохи скерцо становится также самостоятельным фортепианным жанром: это небольшие пьесы рапсодического стремительного характера с трио преимущественно лирического содержания. Подзаголовок «скерцо» дал П.Дюка своей симфонической поэме Ученик чародея. 

Соната (итал. sonata; от sonare, «звучать»). В точном значении термина – многочастное сочинение для фортепиано либо струнного или духового инструмента с фортепиано. Сонатная форма – основополагающая структура, весьма часто применяемая в первых (а также и в иных) частях сольных инструментальных сонат, произведений для инструментальных ансамблей, симфоний, концертов и др. Смысл сонатной формы в том, что первое появление тем (экспозиция) сменяется их развитием (разработка) и затем возвращением (реприза). Разновидностями формы являются: рондо-соната – тип, часто появляющийся в финалах симфонических циклов и сочетающий в себе черты сонаты (экспозиция, разработка, реприза) и рондо (возвращение первой темы в развивающих разделах); сонатина (буквально: «маленькая соната») – в ней либо меньше частей, чем в обычной сонате, либо сами части проще и короче (сонатины для фортепиано М.Клементи, для скрипки и фортепиано Ф. Шуберта). Термин «сонатина» применяется к легким пьесам для начинающих, но существуют и сонатины, которые требуют от исполнителя значительного технического мастерства (Сонатиа М. Равеля).

Sonata da chiesa – «церковная соната», предназначавшаяся для концертного исполнения на богослужении в XVII – начале XVIII века. Представляет собой четырехчастный цикл (медленно – быстро – медленно – быстро), что приближает ее к барочной увертюре. В церковной сонате преобладал контрапунктический стиль.

Sonata da camera – «домашняя соната», исполнявшаяся в домашних условиях. Во многом напоминает сюиту, состоит из прелюдий, ариозо, танцев, написанных в разных тональностях, исполнялась на концертах одним или двумя инструментами.

Сонатно-симфонический цикл – циклическая музыкальная форма произведения, принадлежащего к одному из жанров (соната, симфония, концерт, трио, квартет и т. д.), в которых хотя бы одна из частей (обычно первая) излагается в сонатной форме. От сюитного цикла (сюиты) отличается бо́льшей значительностью содержания и единой линией развития. Сонатно-симфонический цикл является наиболее крупной циклической формой среди чисто инструментальных форм. При этом он обладает большой гибкостью: в форме сонатно-симфонического цикла могут быть написаны и небольшие, камерные произведения, и огромные по масштабу и времени звучания (в жанре симфонии).

Stabat Mater [ста́бат ма́тэр] – католическая секвенция на латинском языке, автором которой считается итальянский поэт XIII века Якопоне да Тоди. Своё название текст получил по инципиту«Stabat Mater dolorosa» («Стояла мать скорбящая»). Первая его часть повествует о страданиях Девы Марии во время распятия Иисуса Христа; вторая представляет собой страстную мольбу грешника о даровании ему рая после смерти. Текст насчитывает 20 трёхстрочных строф. Стабат Матер вошла в литургические книги, где за ней закрепились определённые мелодии. С XV в. создавались и многоголосные полифонические Стабат Матер, обычно с использованием традиционной мелодии (Ж. Депре и Палестрина). Позднее в Стабат Матер стали вводить вокальное соло и инструментальное сопровождение. Это приблизило их к кантате. Такие произведения есть в XVIII в. у Перголези, И. Гайдна, в XIX в. – у Ф. Шуберта, Ф. Листа, Дж. Россини, Дж. Верди, А. Дворжака, в XX – у А. Караманова, А. Пярта, В. Мартынова и др.

Сюита (франц. suite, «последовательность»). Название подразумевает последовательность инструментальных пьес (стилизованных танцев) или инструментальных фрагментов из оперы, балета, музыки к драме и т.д. 

Te Deum(лат. Te Deum laudamus – «Тебя, Бога, хвалим») – христианский гимн (поэтический текст). По преданию, написан в конце IV векаАмвросием Медиоланским. В православном богослужении тот же текст известен как «Тебе Бога хвалим». Распевы (мелодии) этого текста у католиков и православных разные. В истории музыки более известенгригорианский распевтретьего тона(дата создания неизвестна, предположительно во времяКаролингского Возрождения) – католический гимн, который неоднократно обрабатывался различными европейскими композиторами. Поётся воффициина утрене (лаудах) перед воскресеньем, а также перед большими праздниками – после последнегореспонсория. Используется также как процессиональное песнопение, приуроченное к особым случаям (коронация королей и императоров, возведение в сан священнослужителей высокого ранга и т. п.). ВРусской православной церквигимн «Тебе Бога хвалим».поётся в заключение благодарственныхмолебнов, обычно на 3-й тропарныйглас. Завершает последование благодарственного молебна после литургии вНеделю Торжества Православия^. Также гимн присутствует в богослужениях некоторыхпротестантскихцерквей (главным образом,англиканилютеран). ВАнгликанской церквиTe Deum является одной из двух неизменных песен утрени. Музыку на текст гимна писали многие выдающиеся композиторы, такие какД.Букстехуде,Г. Ф.Гендель,Й.Гайдн,В. А.Моцарт,Г.Берлиоз,А.Дворжак,А. Ведель, С. Давыдов,Н. А. Римского-Корсаков,А.Архангельский. Итальянский композиторДж. Сартив 1779 году написал Te Deum на славянский текст дляЕкатерины IIпо случаю взятияГ. А. ПотёмкинымОчакова. Во многих странах получило распространение песнопение на переработанный текст Te Deum, посвящённый Деве МарииTe Matrem Dei laudamus. Прелюдия к гимнуTe Deum laudamusМ.-А. Шарпантьеиспользуется в качестве заставкиЕвровидения.

Тодеска(todesca, tedesca, todeschina) – итало-германская разновидность вилланеллы, которая обязана своим появлением немецким ландскнехтам. Часто служившим наемниками в Италии. Это одна из разновидностей вилланеллы, в которой (наряду с мореской грегореской) реализуется идея смешения языков. Сочетание итальянского и немецкого отражается и в варьировании названия. Тодеска прдставляет собой пародийный жанр.

Токката (итал. toccata). С конца XVI в. это название относится к сочинениям для клавишных инструментов, написанным в свободной импровизационной манере. Слово toccata означает «прикосновение», «удар», в данном случае короткий удар по клавишам, в отличие от sonata, т.е. протяжного «звучания» струнных или духовых инструментов. Кроме того, происхождение термина «токката» указывает на еще более раннюю эпоху, когда этим словом именовался ритм, отбиваемый военным барабаном, либо фанфары медных духовых (например, токката из оперы «Орфей» Монтеверди). Токкаты для клавишных в XVI в. (А. и Дж. Габриели, Луззаско) использовали типично клавирную технику и превратились в виртуозные произведения, где импровизационные пассажи чередовались с торжественными хоральными звучаниями. В некоторых токкатах (особенно у К. Перуло и Дж.Фрескобальди) встречаются полифонические разделы. Токката использовалась и как вступление к ричеркару или фуге. Токкаты нового времени (Шуман, Дебюсси, Равель, Прокофьев) представляют собой фортепианные пьесы, в жанровом отношении близкие к концертному этюду. 

Трио (итал. trio; от лат. tres, tria, «три»). Музыкальное произведение для трех исполнителей. Трио получило широкое распространение в классическую эпоху как один из видов инструментальной музыки, использовавший сонатную форму. Наиболее часто встречаются фортепианные (скрипка, виолончель, фортепиано) и струнные (скрипка, альт, виолончель) трио. Вокальное трио (с аккомпанементом или без него) обычно называют терцетом. Термином «трио» обозначают также среднюю часть менуэта, скерцо, марша или другой трехчастной формы. В таком смысле трио можно понимать вообще как контрастный раздел между экспозицией основного тематического материала и его повторением. В старину этот раздел сочинялся для трех солирующих инструментов, а сам термин «трио» остался в употреблении и после золотого века жанра кончерто гроссо, хотя средние разделы сочинений инструментовались уже не для трех, а для большего числа инструментов. 

Трио-соната (итал. trio-sonata). Основная форма камерной инструментальной музыки эпохи барокко. Трио-соната сочинялась для двух высоких инструментов, обычно скрипок, и basso continuo, представленного обычно виолончелью и каким-нибудь клавишным инструментом или лютней, – таким образом, требовалось не трое, а четверо исполнителей. Эпохой расцвета трио-сонаты во всех европейских музыкальных центрах был период с 1625 по 1750, затем, ввиду отмирания basso continuo как функционально необходимого элемента композиции, трио-соната переродилась в струнный квартет. Жанр трио-сонаты сочетает в себе черты старой инструментальной танцевальной сюиты с элементами новой виртуозной техники игры на струнных, старого полифонического и нового гомофонного стилей; для трио-сонаты типично и прямое предвосхищение методов тематического развития в сонатной форме. Основными типами трио-сонаты являлись sonata da chiesa и sonata da camera. Среди выдающихся авторов трио-сонат – С. Росси, Дж. Легренци, А. Корелли, Д. Букстехуде, И. С. Баха, Г. Ф. Генделя и Ж. М. Леклера; встречается этот жанр и позже – например, у К. В. Глюка и Й. Гайдна. 

Увертюра (франц. ouverture, «открытие»). Это название первоначально относилось к оркестровому вступлению, исполнявшемуся перед оперой, но вскоре стало обозначать и вступления к сочинениям других жанров, например кантатам или инструментальным сюитам. В XVII в. сложилось две разновидности увертюры: французская, возникшая во французской придворной опере, а именно у Ж. Б. Люлли; итальянская, сформировавшаяся в творчестве А. Скарлатти. Французская увертюра обязательно содержала три раздела: медленно – быстро – медленно. Медленные разделы, обычно выдержанные в пунктированном ритме, ассоциировались с торжественным придворным церемониалом; в быстрых разделах музыкальная фактура произведения обеспечивалась фугированным развитием тем. Итальянская оперная увертюра называлась «синфонией» и тоже состояла из трех разделов по принципу: быстро – медленно – быстро. В конце XVIII в. оперные увертюры сочинялись преимущественно в сонатной форме и практически представляли собой не что иное, как первую часть классического сонатно-симфонического цикла. Некоторые композиторы (среди них Глюк, Моцарт и Бетховен) начали включать в оперные увертюры темы из соответствующей оперы. Увертюры в опере последующей эпохи, сохраняя черты сонатной формы, все более и более превращаются в краткий музыкальный пересказ содержания оперы на ее же тематическом материале. Появляются и концертные увертюры как самостоятельный жанр симфонической музыки программного типа (Мендельсон, Брамс, Чайковский).

Фантазия (греч. phantasia). Инструментальная композиция весьма свободного построения. В XVI в. фантазия сочинялась, как правило, для лютни, клавира или инструментального ансамбля в полифоническом стиле, напоминающем стиль ричеркара или канцоны. В XVII–XVIII вв. жанр все более обогащается элементами импровизационного характера – например, в органных и клавирных сочинениях Букстехуде, Баха, Моцарта. В XIX в. наименование «фантазия» относится к инструментальным, преимущественно фортепианным, пьесам, в определенной мере свободным от установленных форм (например, Sonata quasi una fantasia Бетховена, фантазии Шопена и Шумана). Фантазией могла называться также импровизация на избранную тему (например, фантазия «Скиталец» Шуберта на тему одноименного романса, Фантазия на тему Т. Таллиса Воан-Уильямса). В английском языке термин «voluntary», по смыслу аналогичный «фантазии», может относиться к музыкальному оформлению англиканской церковной службы (импровизационные разделы, звучавшие во время шествий или при окончании богослужения) либо к инструментальным произведениям в свободной форме (мастерами такого жанра были Дж. Блоу и Г. Пёрселл). 

Фроттола (итал. frottola, от frotta «толпа»). Предшественница ренессансного мадригала, фроттола культивировалась главным образом в северной Италии в конце XV – начале XVI вв. Фроттолы отличались живостью ритма, сочинялись в трех- или четырехголосной фактуре, часто исполнялись певцом с инструментальным аккомпанементом. 

Фуга (лат., итал. fugа, «бег») – высшая имитационно-полифоническая форма, жанр. Форма фуги, достигшая совершенства в творчестве Баха, является итогом длительного развития разных приемов контрапункта и разных форм, включая канон, мотет и ричеркар. Фуги сочиняются для любого числа голосов (начиная с двух). Фуга открывается изложением темы (вождя) в одном голосе, затем с той же темой последовательно вступают другие голоса. Фуги могут быть простые (однотемные) и сложные (многотемные). Вступления всех голосов образуют экспозицию фуги. За экспозицией могут следовать либо контрэкспозиция (вторая экспозиция), либо полифоническая разработка всей темы или ее элементов (эпизоды). В фугах используются разнообразные полифонические приемы: увеличение, уменьшение, инверсия, ракоход, стретта, а иногда сочетания подобных приемов. Жанр фуги имеет большое значение как в инструментальных, так и в вокальных формах. Фуги могут представлять собой самостоятельные пьесы, сочетаться с прелюдией, токкатой и т.д., наконец, входить в состав большого произведения или цикла. Характерные для фуги приемы нередко применяются в развивающих разделах сонатной формы.